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Nouveaux films de la chaîne Criterion en avril 2020

Vous savez quoi? Appelez-moi fou, mais je pense que la chaîne Criterion a une bonne programmation de films! Ils offrent une grande partie de leur collection Criterion, ainsi que des tonnes d’autres classiques, des gemmes sous-vues et des bonus bonus soigneusement sélectionnés. Et leurs nouvelles offres pour avril 2020 ont toutes sortes de cadeaux incroyables pour les cinéphiles.

La liste d’avril 2020 comprend des joyaux d’auteurs comme Martin Scorsese, Douglas Sirk, Yorgos Lanthimos et Otto Preminger. Plus: ardoises éclectiques du cinéma élégant des années 1970, film noir classique et un aperçu prolifique de l’acteur prolifique Toshiro Mifune. Et nous ne faisons qu’effleurer la surface! Consultez la liste complète des émissions de mars de Criterion Channel ci-dessous.

Mercredi 1er avril

Image via Criterion Collection

Toshiro Mifune fête ses 100 ans

Avec une nouvelle introduction de la critique Imogen Sara Smith et le documentaire 2015 Mifune: The Last Samurai

Akira Kurosawa a dit un jour: «L’acteur japonais ordinaire pourrait avoir besoin de trois mètres de film pour se faire une impression. Toshiro Mifune n’avait besoin que de trois pieds.  » Cependant, le cinéaste a certainement donné à Mifune – né le 1er avril 1920 – beaucoup d’espace: au cours de seize collaborations indélébiles, l’acteur et le réalisateur ont créé certains des personnages les plus dynamiques jamais mis à l’écran, tous marqués par un physique explosive, intensité du fil sous tension et tendresse surprenante. Découvert par Kurosawa lors d’une audition ouverte aux Toho Studios, Mifune continuerait à occuper une grande variété de rôles – des gangsters aux samouraïs en passant par les salariés – dans les plus grands films du réalisateur, des chefs-d’œuvre comme Stray Dog, Rashomon, Seven Samurai, The Bad Sleep Well et Haut et Bas. Consolant encore plus son statut d’icône du cinéma japonais avec ses virages dominants dans les classiques de Kenji Mizoguchi, Keisuke Kinoshita et Hiroshi Inagaki, Mifune a laissé un héritage formidable en tant qu’un des artistes les plus électrisants du XXe siècle.

Sentier de neige, Senkichi Taniguchi, 1947
Ange ivre, Akira Kurosawa, 1948
Chien errant, Akira Kurosawa, 1949
Rashomon, Akira Kurosawa, 1950
Alliance, Keisuke Kinoshita, 1950
Scandale, Akira Kurosawa, 1950
L’idiot, Akira Kurosawa, 1951
La vie d’Oharu, Kenji Mizoguchi, 1952
Sept samouraïs, Akira Kurosawa, 1954
Samouraï I: Musashi Miyamoto, Hiroshi Inagaki, 1954
Samurai II: Duel au Temple Ichijoji, Hiroshi Inagaki, 1955
Je vis dans la peur, Akira Kurosawa, 1955
Samurai III: Duel sur l’île de Ganryu, Hiroshi Inagaki, 1956
Les profondeurs inférieures, Akira Kurosawa, 1957
Trône de sang, Akira Kurosawa, 1957
La forteresse cachée, Akira Kurosawa, 1958
Muhomatsu, l’homme de pousse-pousse, Hiroshi Inagaki, 1958
Le mauvais sommeil, Akira Kurosawa, 1960
Yojimbo, Akira Kurosawa, 1961
Sanjuro, Akira Kurosawa, 1962
Haut et bas, Akira Kurosawa, 1963
Barbe rouge, Akira Kurosawa, 1965
L’épée du destin, Kihachi Okamoto, 1966
Rébellion des samouraïs, Masaki Kobayashi, 1967
Zatoichi rencontre Yojimbo, Kihachi Okamoto, 1970
Soleil rouge, Terence Young, 1971
Mifune: The Last Samurai, Steven Okazaki, 2015

Image via Criterion Channel

Europa Europa: Criterion Collection Edition # 985

Alors que la Seconde Guerre mondiale divise l’Europe, le juif allemand Salomon (Marco Hofschneider), âgé de seize ans, est séparé de sa famille après avoir fui avec eux en Pologne et se retrouve à contrecœur à assumer diverses identités idéologiques afin de cacher le secret mortel de sa judéité. Il est renvoyé d’un orphelinat soviétique, où il joue un stalinien consciencieux, sur le front russe, où il se cache à la vue en tant qu’interprète de l’armée allemande, et de retour dans son pays d’origine, où il assume son rôle le plus dangereux: un membre de la jeunesse hitlérienne. Basé sur les expériences réelles de Salomon Perel, le tour de force en temps de guerre d’Agnieszka Holland Europa Europa est une histoire de survie à couper le souffle racontée avec la verve d’une aventure comique, une réfutation ironique de l’idée nazie de la pureté raciale et un portrait complexe d’un jeune homme rattrapé par des calamités historiques changeantes et luttant pour rester en vie. CARACTÉRISTIQUES SUPPLÉMENTAIRES: Commentaire audio par Agnieszka Holland; entrevues avec Holland, Marco Hofschneider et Salomon Perel; et un essai vidéo de la spécialiste du cinéma Annette Insdorf.

Jeudi 2 avril

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Trois de Yorgos Lanthimos (y compris la première en streaming de Kinetta)

Le leader officieux de la soi-disant «vague grecque bizarre», Yorgos Lanthimos a contribué à mettre le cinéma du pays sur la carte internationale avec ces explorations incroyablement drôles et surréalistes des relations humaines à leur plus extrême et troublant. Établissant sa vision singulière avec la Kinetta sans concession et énigmatique, Lanthimos a acquis une notoriété internationale (et une surprenante nomination aux Oscars) pour son portrait de famille étrangement bizarre Dogtooth, qu’il a suivi avec les Alpes tout aussi extérieures. Déployant une absurdité stylisée pour révéler des vérités tranchantes sur la condition humaine, ces provocations singulières représentent certains des cinémas les plus audacieux et les plus passionnants du XXIe siècle.

Kinetta, 2005
Dogtooth, 2009
Alpes, 2011

Vendredi 3 avril

Tiré des archives: Raging Bull

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Avec un commentaire d’archivage sur disque laser mettant en vedette le réalisateur Martin Scorsese et la monteuse Thelma Schoonmaker

Sans doute le film de boxe définitif et l’un des films les plus étonnamment viscéraux jamais réalisés, la vision déchirante de Martin Scorsese du machisme autodestructeur met en vedette Robert De Niro, lauréat d’un Oscar, dans une performance intensément physique et meilleure carrière que Jake LaMotta, un combattant de le Bronx dont la colère profonde et les insécurités éclatent en violence à la fois dans et hors du ring. La superbe cinématographie monochrome, le montage cinétique de Thelma Schoonmaker et les performances de soutien mémorables de Joe Pesci et Cathy Moriarty se réunissent dans un tour de force lyrique d’une beauté meurtrière.

Image via Criterion Channel

Double fonctionnalité: Deep, Dark Welles – The Stranger and The Lady from Shanghai

Une fois qu’il avait établi un penchant pour les compositions stylisées avec style et le clair-obscur frappant dans Citizen Kane et The Magnificent Ambersons, il était naturel qu’Orson Welles se révèle un maître du film noir. The Stranger, sa première incursion dans le genre (et seul succès au box-office), suggère des menaces cachées qui se cachent sous le placage de la normalité américaine à travers l’histoire d’un tristement célèbre nazi se cachant sous couverture dans une ville endormie du Connecticut. Un an plus tard, Welles est à nouveau entré dans l’ombre avec The Lady from Shanghai, une boîte à puzzle fascinant fracturé et visuellement éblouissant d’un film qui a été lu comme un commentaire profondément personnel sur son propre mariage en ruine avec la costar Rita Hayworth.

Samedi 4 avril

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Matinée du samedi: Capitaines courageux

Basée sur un roman de Rudyard Kipling, cette aventure en haute mer bien-aimée met en vedette Freddie Bartholomew en tant que jeune gosse pourri gâté qui tombe par-dessus bord d’un paquebot et est sauvé par les pêcheurs de passage Manuel (Spencer Tracy, dans une performance primée aux Oscars). Plutôt que de ramener le garçon à la maison, Manuel et l’équipage l’accompagnent pour un voyage épique plein d’excitation, de danger et de leçons de vie durement gagnées. Réalisé par le célèbre artisan MGM Victor Fleming et mettant en vedette un casting all-star qui comprend Lionel Barrymore, Melvyn Douglas, Mickey Rooney et John Carradine, Captains Courageous offre des sensations fortes à l’articulation blanche aux côtés d’un récit sincère de passage à l’âge adulte.

Dimanche 5 avril

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Bien plus que des bas de cloche, des chemisiers paysans et des chaussures à plateforme, la mode des années 1970 était aussi éclectique qu’aventureuse, une explosion d’individualisme de la génération moi tournée vers l’extérieur dans une profusion de styles qui font tourner les têtes, qui vont de l’intemporel au funky au lointain. . Cette collection rassemble certains des films par excellence de l’époque mettant en vedette les stars qui ont défini ses looks les plus emblématiques: la préparation parfaite de Robert Redford pour la Ivy League dans Three Days of the Condor, l’androgynie tweedy sur mesure de Diane Keaton dans Annie Hall, les bas de Donna Summer disco glam dans Thank God It’s Friday, le coup de poing boho-chic de Jane Fonda dans Klute, le Blackass cool de Richard Roundtree cool dans Shaft, et plus encore. Que votre ambiance soit plus excentrique et mignonne Barbra Streisand dans What’s Up, Doc? ou la déesse du rock Babs dans A Star Is Born, les modes de ces films sont la preuve que l’expression personnelle ne se démode jamais.

Performance, Donald Cammell et Nicolas Roeg, 1970
Klute, Alan J. Pakula, 1971
Arbre, Gordon Parks, 1971
Quoi de neuf, Doc?, Peter Bogdanovich, 1972
Foxy Brown, Jack Hill, 1974
Shampooing, Hal Ashby, 1975
Trois jours du condor, Sydney Pollack, 1975
L’homme qui est tombé sur terre, Nicolas Roeg, 1976
Une étoile est née, Frank Pierson, 1976
Bienvenue à L.A., Alan Rudolph, 1976
Annie Hall, Woody Allen, 1977
Les yeux de Laura Mars, Irvin Kershner, 1978
Dieu merci, c’est vendredi, Robert Klane, 1978

Lundi 6 avril

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Projet cinéma mondial: Pixote

Avec une nouvelle introduction de la cinéaste Mira Nair

Avec son mélange vivifiant de réalisme inébranlable et d’humanité endolorie, le regard électrisant de Héctor Babenco sur les jeunes perdus qui se battent pour survivre au dernier rang de la société brésilienne a contribué à mettre le cinéma du pays sur la carte internationale. Tourné avec une immédiateté documentaire dans les rues de São Paulo et de Rio de Janeiro, Pixote suit le fugitif éponyme du préadolescent (le déchirant Fernando Ramos da Silva, dont la vie trop courte reflétait tragiquement celle de son personnage) alors qu’il échappe à un jeune cauchemardesque centre de détention pour plonger dans une vie de criminalité de plus en plus violente aux côtés d’une famille de fortune de parias. Équilibrant sa brutalité choquante avec des moments de tendresse, ce magnifique voyage à travers le monde souterrain du Brésil est un cri inoubliable des profondeurs inférieures qui a influencé plusieurs générations de cinéastes, dont Spike Lee, Harmony Korine et les frères Safdie.

Mardi 7 avril

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Short + Feature: Human Tides – 8ème continent et feu en mer

Ces méditations obsédantes et poétiques sur la crise des réfugiés européens parlent avec éloquence et urgence du coût humain déchirant d’une tragédie mondiale. Dans le court-métrage étrangement évocateur de Yorgos Zois 8th Continent, la caméra du cinéaste examine silencieusement un dépotoir désolé sur l’île grecque de Lesbos jonché de milliers de gilets de sauvetage qui ont échoué – un paysage presque d’un autre monde qui véhicule plus que les mots ne le pourraient jamais. Puis, sur l’île sicilienne de Lampedusa, le réalisateur Gianfranco Rosi documente les rituels de la vie quotidienne dans un endroit où la réalité quotidienne se déroule sur fond de catastrophe humanitaire croissante dans son documentaire bouleversant Fire at Sea.

Mercredi 8 avril

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Columbia Noir

Avec une introduction par les spécialistes du cinéma Farran Smith Nehme et Imogen Sara Smith

Il y a un an, le Criterion Channel a été lancé avec un voyage dans le côté obscur du catalogue Columbia Pictures, et nous sommes heureux de le ramener avec une gamme élargie de coupes profondes classiques noires. Alors que des studios rivaux comme MGM et Paramount prodiguaient de l’argent et des valeurs de production de premier plan sur des comédies musicales éclaboussantes et des adaptations littéraires de prestige, la Columbia notoirement soucieuse de son budget était parfaitement à l’aise dans le monde graveleux et peu réputé du film noir. Le lot de Columbia était l’endroit où des auteurs comme Fritz Lang, Nicholas Ray et Orson Welles ont réalisé la perfection de la poésie pulpaire dans des chefs-d’œuvre comme The Big Heat, In a Lonely Place et The Lady from Shanghai. C’est également là que les spécialistes du genre ingénieux pouvaient surmonter les contraintes budgétaires grâce à une atmosphère stylisée et sinistre et une vision de réalisateur dans des tueurs comme le mystère gothique My Name Is Julia Ross, le thriller hitman minimaliste et cool Murder by Contract, et le ténébreux tabou-buster The Crimson Kimono. Mettant en vedette des icônes de genre comme Humphrey Bogart, Rita Hayworth, Gloria Grahame et Glenn Ford, ces joyaux ténébreux incarnent l’essence bouillie du noir.

Aveugle, Charles Vidor, 1939
Je m’appelle Julia Ross, Joseph H. Lewis, 1945
Gilda, Charles Vidor, 1946
Si sombre la nuit, Joseph H. Lewis, 1946
Dead Reckoning, John Cromwell, 1947
Johnny O’Clock, Robert Rossen, 1947
La Dame de Shanghai, Orson Welles, 1947
Dans un endroit solitaire, Nicholas Ray, 1950
La foule, Robert Parrish, 1951
Affaire à Trinidad, Vincent Sherman, 1952
Le tireur d’élite, Edward Dmytryk, 1952
La grande chaleur, Fritz Lang, 1953
Conduisez une route tordue, Richard Quine, 1954
Désir humain, Fritz Lang, 1954
Poussée, Richard Quine, 1954
Tight Spot, Phil Karlson, 1955
5 Contre la maison, Phil Karlson, 1955
Tombée de la nuit, Jacques Tourneur, 1956
Plus ils tombent fort, Mark Robson, 1956
Les frères Rico, Phil Karlson, 1957
Le cambrioleur, Paul Wendkos, 1957
La programmation, Don Siegel, 1958
Meurtre par contrat, Irving Lerner, 1958
Le kimono cramoisi, Samuel Fuller, 1959
Experiment in Terror, Blake Edwards, 1962

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Je ne suis pas une sorcière

Avec Listen, un court-métrage de 2014 réalisé par Rungano Nyoni

Le premier long métrage acclamé de Rungano Nyoni est un conte de fées féministe audacieux et fortement satirique qui se déroule dans la Zambie actuelle. Lorsque Shula (Margaret Mulubwa), orpheline de neuf ans, est accusée de sorcellerie, elle est exilée dans un camp de sorcières dirigé par un fonctionnaire corrompu et incompétent. Attachée au sol et a dit qu’elle se transformerait en chèvre si elle essaye de s’échapper, Shula devient une attraction touristique vedette exploitée par son entourage pour un gain financier. Bientôt, elle est forcée de prendre une décision difficile: se résigner à vivre au camp, ou tout risquer pour la liberté. Gagnant d’un prix BAFTA pour ses débuts exceptionnels, I Am Not a Witch est un commentaire visuellement imaginatif et socialement incisif sur le choc entre tradition et modernité de l’une des nouvelles voix les plus excitantes du cinéma contemporain.

Jeudi 9 avril

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The Two of Us: Criterion Collection Edition # 388

Un jeune garçon juif vivant dans le Paris occupé par les nazis est envoyé par ses parents à la campagne pour vivre avec un couple catholique âgé jusqu’à la libération de la France. Obligé de cacher son identité, Claude, huit ans (joué délicatement par le premier acteur Alain Cohen), se lie avec l’irascible Grampa résolument antisémite (Michel Simon), qui devient improbable son ami et confident. Poignant et joyeux, The Two of Us a été le premier long métrage du réalisateur Claude Berri, basé sur ses propres expériences d’enfance, et a donné au légendaire Simon l’un de ses rôles les plus mémorables au crépuscule de sa carrière. CARACTÉRISTIQUES SUPPLÉMENTAIRES: Le court métrage oscarisé de Claude Berri, Le poulet; des interviews de Berri et des stars Michel Simon et Alain Cohen; un talk-show français de 1975 mettant en vedette Berri et la femme qui a aidé à assurer la sécurité de sa famille pendant la Seconde Guerre mondiale; et plus.

Vendredi 10 avril

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Double fonctionnalité: Dark Desires – Stranger by the Lake et Staying Vertical

Alain Guiraudie, l’un des provocateurs les plus intrépides et infiniment fascinants du cinéma français contemporain, réalisait ses visions envoûtantes, audacieusement transgressives et sans équivoque queer depuis plus de deux décennies lorsqu’il a attiré l’attention avec son thriller érotique fascinant Stranger by the Lake. Ne faisant aucune concession au succès commercial, son suivi brillamment outré, Staying Vertical, est une odyssée sexuelle surréaliste et continuellement surprenante qui, comme son prédécesseur, sonde le côté obscur du désir humain.

Samedi 11 avril

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Matinée du samedi: Watership Down

Avec ce projet passionnant, le scénariste-producteur-réalisateur Martin Rosen a brillamment réalisé ce qui avait été pensé presque impossible: une adaptation fidèle sur grand écran du classique roman dystopique britannique de Richard Adams sur une communauté de lapins sous la menace terrible des forces modernes. Avec son animation naturaliste dessinée à la main, des touches expressionnistes rêveuses, un design de fond magnifiquement bucolique et un travail de voix élégant de superbes acteurs anglais tels que John Hurt, Ralph Richardson, Richard Briers et Denholm Elliott, Watership Down est un ton émotionnellement saisissant et sombre. allégorie de la liberté au milieu des troubles politiques.

Dimanche 12 avril

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Avec Gary Cooper

Pendant plus de trois décennies, Gary Cooper a été le parfait homme d’honneur d’Hollywood, une présence à l’écran rafraîchissante, sincère et non affectée qui a imprégné ses héros communs d’authenticité et de dignité simple. Émergeant en tant que star à la fin de l’ère silencieuse, le longiligne et incroyablement beau Cooper s’est imposé comme un héros occidental dans l’immense populaire Henry King’s The Winning of Barbara Worth et un homme romantique dans le mélodrame évanouissant de la Première Guerre mondiale, le Lilas Time. Mais c’est avec l’avènement du son que Cooper a vraiment pris sa place, incarnant la décence et le courage des Américains dans des classiques comme M. Deeds Goes to Town, le sergent York et la fierté des Yankees ainsi que l’esprit de la frontière dans des westerns définitifs comme The Westerner et Man of the West. Son charme décontracté a également fait de lui un film comique parfait pour Barbara Stanwyck dans Ball of Fire, une émeute de balles de vis de Howard Hawks, tandis que sa gravité innée a ancré des drames de prestige comme The Fountainhead. C’est cette capacité à jouer à travers les genres tout en restant inimitablement lui-même qui a fait de Cooper l’une des icônes les plus durables de Hollywood.

La victoire de Barbara Worth, Henry King, 1926
Lilas Time, George Fitzmaurice, 1928
Un adieu aux armes, Frank Borzage, 1932
La nuit de noces, King Vidor, 1935
M. Deeds va en ville, Frank Capra, 1936
Les aventures de Marco Polo, Archie Mayo, 1938
Le Cowboy et la Dame, H.C. Potter, 1938
La vraie gloire, Henry Hathaway, 1939
L’Occidental, William Wyler, 1940
Boule de feu, Howard Hawks, 1941
Sergent York, Howard Hawks, 1941 (commence le 1er juin)
La fierté des Yankees, Sam Wood, 1942
La fontaine, King Vidor, 1949
Groupe de travail, Delmer Daves, 1949
Vera Cruz, Robert Aldrich, 1954
Persuasion amicale, William Wyler, 1956
L’amour de l’après-midi, Billy Wilder, 1957
Homme de l’Ouest, Anthony Mann, 1958
L’arbre suspendu, Delmer Daves, 1959

Lundi 13 avril

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Trois par Otto Preminger

Réputé pour son style froidement objectif, sa complexité morale audacieusement ambiguë et sa volonté d’aborder les thèmes tabous, le titan hollywoodien classique (ou tyran, pour beaucoup de ceux qui travaillaient sous lui), Otto Preminger a repoussé les limites du Code de production pour créer certains des plus films sophistiqués et provocateurs de l’ère studio. Cette sélection de trois de ses plus beaux — le mélodrame luxuriant et doux-amer Bonjour tristesse, la saisissante Anatomie procédurale du crime de James Stewart et le mystère existentiel menaçant Bunny Lake Is Missing — présente à la fois sa gamme et la sensibilité singulière, implacablement palpable qui unifie son travail.

Bonjour tristesse, 1958
Anatomie d’un meurtre, 1959
Bunny Lake is Missing, 1965

Mardi 14 avril

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Short + Feature: Blowups – Neighbours et Dr. Strangelove

Avec une introduction de Penelope Bartlett, programmeuse de Criterion Channel

Norman McLaren et Stanley Kubrick visent le carnage effroyable du XXe siècle dans ces satires visuellement inspirées. Le court métrage inventif et oscarisé de McLaren, Neighbours, combine la photographie en direct et l’animation en stop-motion pour illustrer la stupidité de la guerre à travers l’histoire de deux voisins qui tombent sur une fleur qui pousse entre leurs maisons. Pablo Picasso, sans aucun doute frappé par la technique ingénieuse de McLaren ainsi que par l’urgence de son message, l’a qualifié de plus grand film jamais réalisé. La comédie noire meurtrière de Kubrick, le Dr Strangelove, avec un Peter Sellers emblématique dans trois rôles, suit un groupe de crétins militaires, de bureaucrates et de politiciens se précipitant tête baissée vers l’anéantissement mondial, dans une vision de la politique nucléaire aussi terrifiante qu’hilarante.

Mercredi 15 avril

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Les ajustements

Avec un commentaire audio mettant en vedette la réalisatrice Anna Rose Holmer, la scénariste-productrice Lisa Kjerulff et la scénariste-monteuse Saela Davis

Toni (onze ans), un garçon manqué de 11 ans, est une ensorceleuse étourdie qui est ensorcelée par l’équipe de danse soudée qu’elle voit pratiquer dans le même gymnase de Cincinnati où elle boxe. Amoureuse du pouvoir et de la confiance de la communauté des filles, Toni passe de moins en moins de temps à boxer avec son frère aîné, et absorbe plutôt avec impatience les routines de danse et les exercices de maîtrise à distance, se perçant même les oreilles pour tenter de s’intégrer. Mais quand une mystérieuse flambée de malaises afflige l’équipe, le désir d’acceptation de Toni devient plus compliqué. Mélange d’images incroyablement viscérales sur une partition envoûtante, le premier long-métrage de tour de force d’Anna Rose Holmer est une expérience sensorielle transpercante et un puissant portrait de l’agitation des adolescents.

Jeudi 16 avril

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45 ans: Criterion Collection Edition # 861

Dans ce film magnifiquement calibré, Charlotte Rampling et Tom Courtenay interprètent un pas de deux subtilement décalé en tant que Kate et Geoff, un couple anglais qui, à la veille d’une fête d’anniversaire, trouve leur long mariage ébranlé par l’arrivée d’une lettre à Geoff qui effondre sans cérémonie son passé dans leur présent commun. Le réalisateur Andrew Haigh porte la tradition du cinéma réaliste britannique vers de nouveaux sommets astucieux en 45 ans, tissant le moment clé dans le quotidien alors que le couple vaque à ses occupations quotidiennes, tandis que le paysage norvégien plat et hivernal évoque la lutte pour maintenir un statut de plus en plus intenable quo. En adaptant librement une nouvelle de David Constantine, Haigh déplace l’attention du Geoff légèrement erratique vers Kate, provoquant une représentation remarquable et nuancée par Rampling de la métamorphose progressive d’une femme d’une femme imperturbable à une femme défaite. CARACTÉRISTIQUES SUPPLÉMENTAIRES: Un commentaire audio mettant en vedette Haigh et le producteur Tristan Goligher; un making-of documentaire avec des interviews du casting et de l’équipe; et plus.

Vendredi 17 avril

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Double fonctionnalité: Great Heavens! – Voici M. Jordan et terre à terre

L’une des comédies les plus merveilleusement inventives des années 40, l’irrésistible fantasme romantique Here Comes Mr.Jordan met en vedette Robert Montgomery en tant que boxeur qui, lorsqu’il est envoyé par erreur au paradis avant son temps, a une deuxième chance sur Terre – avec une prise . Sa popularité durable a engendré plusieurs remakes (y compris le véhicule Warren Beatty 1978 Heaven Can Wait) ainsi que la pseudosequel musical délicieusement évadée Down to Earth, avec Rita Hayworth à son plus divine comme une muse grecque qui descend sur Terre et charme son chemin sur le Scène de Broadway. À son tour, il a inspiré son propre remake des décennies plus tard: le célèbre culte culte Xanadu.

Samedi 18 avril

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Matinée du samedi: Little Lord Fauntleroy

L’adaptation définitive à l’écran du conte classique de Rags-to-riches de Frances Hodgson Burnett suit la fortune du jeune Ceddie (le charmant Freddie Bartholomew), un garçon précoce élevé par sa mère célibataire (Delores Costello) à la fin du XIXe siècle. -century Brooklyn. Lorsqu’il découvre qu’il est l’héritier d’un comte britannique et qu’il est envoyé en Angleterre vivre avec son grand-père aristocratique (C. Aubrey Smith) – qui méprise la mère commune du garçon – Ceddie doit gagner le vieil homme afin d’unir sa famille . Produit avec une minutie caractéristique par le légendaire David O. Selznick et mettant en vedette un jeune Mickey Rooney, Little Lord Fauntleroy est un fantasme d’enfance réconfortant.

Dimanche 19 avril

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Réalisé par Maurice Pialat

«Ce que j’entends par réalisme va au-delà de la réalité», a déclaré le maître français Maurice Pialat, dont les films à la fois crus et rigoureux captent toute l’intensité, l’humanité vivante, la brutalité et la tendresse de la vie elle-même. Bien qu’il soit un contemporain de la nouvelle vague, Pialat se démarque du mouvement, poursuivant une vision personnelle intransigeante qui a plus en commun avec son ancêtre artistique Jean Renoir. Dans des chefs-d’œuvre comme We Won’t Grow Old Together, The Mouth Agape, À nos amours et Van Gogh, Pialat a raffiné un style elliptique percutant dans lequel le réalisme émotionnel brûlant et la vérité humaine tranchante sont avant tout prisés. Bien qu’il ne soit pas aussi bien connu à l’échelle internationale que nombre de ses contemporains, le cinéma de Pialat a eu un effet incalculable sur une génération de réalisateurs post-New Wave comme Catherine Breillat, Leos Carax, Philippe Garrel et Arnaud Desplechin, qui a déclaré: Le cinéaste dont l’influence a été la plus forte et la plus constante sur le jeune cinéma français n’est pas Jean-Luc Godard mais Maurice Pialat. »

L’amour existe, 1960
L’enfance nue, 1968
Nous ne vieillirons pas ensemble, 1972
L’agape bouche, 1974
Diplômé d’abord, 1979
Loulou, 1980
À nos amours, 1983
Police, 1985
Sous le soleil de Satan, 1987
Van Gogh, 1991

Lundi 20 avril

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Vendeur: Criterion Collection Edition # 122

Ce portrait radicalement influent des rêves américains et de la désillusion des pionniers du cinéma direct David Maysles, Albert Maysles et Charlotte Zwerin capture, avec une humanité indélébile, les mondes de quatre vendeurs bibliques de porte à porte qui se déplacent de Boston à la Floride sur un quête futile de vendre les éditions de luxe du Bon Livre aux catholiques ouvriers. Une évocation vivante du malaise du milieu du siècle qui se déroule sur fond de motels bon marché, de dîners enfumés et de salons de banlieue, le vendeur prend des dimensions poignantes en découvrant la façon dont la bravade parlante de ses sujets masque la frustration, la déception et le désespoir. Révolutionnant l’art de la narration de non-fiction avec son style d’observation sans jugement, ce documentaire historique est l’un des films les plus pénétrants jamais réalisés sur la profondeur de l’intégration du consumérisme dans le sens de l’Amérique de ses propres valeurs. CARACTÉRISTIQUES SUPPLÉMENTAIRES: Un commentaire audio des réalisateurs, une interview télévisée de 1968 avec David et Albert Maysles, et plus encore.

Mardi 21 avril

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Short + Feature: Hair Pieces – The Short et Curlies and Shampoo

De la Grande-Bretagne col bleu à la jet-set de Beverly Hills, les salons de coiffure fournissent les décors colorés à ces études sociales drôles et tranchantes. Le court métrage hilarant de Mike Leigh, The Short and Curlies – mettant en vedette ses collaborateurs réguliers Alison Steadman et David Thewlis – offre une fenêtre sur la vie quotidienne en Angleterre de l’ère Thatcher en révélant les relations entre un coiffeur bavard, sa fille adolescente maussade et un client régulier avec un nouveau «faire pour tous les jours de la semaine. Ensuite, Hal Ashby façonne une vision méchamment satirique de la politique sexuelle de la fin des années 60 dans son shampooing définissant le zeitgeist, mettant en vedette Warren Beatty en tant que coiffeur hollywoodien qui offre à ses clients plus qu’une simple coupe.

Mercredi, 22 avril

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Mikey et Nicky: Criterion Collection Edition # 957

Elaine May a conçu un film de gangsters pas comme les autres dans l’odyssée nocturne Mikey et Nicky, capitalisant sur la chimie entre les collaborateurs fréquents John Cassavetes et Peter Falk en les présentant comme des gangsters de petite taille dont la relation à vie a tourné au vinaigre. Se déroulant sur une nuit, ce drame agité trouve Nicky (Cassavetes) enfermé dans un hôtel après que le patron dont il a volé l’argent lui ait donné un coup. Terrifié, il fait appel à Mikey (Falk), la seule personne qui, selon lui, peut le sauver. Scénarisé pour correspondre à l’énergie du fil en direct de ses stars – aux côtés des joueurs de soutien Ned Beatty, Joyce Van Patten et Carol Grace – et inspiré par des personnages réels de la propre enfance de May, ce portrait débridé de l’amitié masculine devenue tragique est un chef-d’œuvre méconnu du cinéma américain. CARACTÉRISTIQUES SUPPLÉMENTAIRES: Un programme sur la réalisation du film, des entrevues avec les critiques Richard Brody et Carrie Rickey, et plus encore.

Jeudi 23 avril

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Early Douglas Sirk

Avant qu’il ne devienne le roi du mélodrame subversif et largement surmené des années 1950, le réalisateur émigré allemand Douglas Sirk a fait sa marque à Hollywood avec une série de drames historiques, de films noirs, de comédies et de comédies musicales. Montrant sa sophistication, son intelligence coupante et son flair visuel, ces œuvres méconnues des années 40 – la câpre pétillante A Scandal in Paris, la satire décalée du show-business Slightly French et les perversement fascinants noirs Lured et Shockproof – brossent un tableau plus complet de l’un des les auteurs les plus intrigants et les plus analysés de l’ère studio.

Un scandale à Paris, 1946
Attiré, 1947
Antichoc, 1949
Légèrement français, 1949

Vendredi 24 avril

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Double fonctionnalité: C’est Seberg – Bonjour tristesse et Breathless

Le chef-d’œuvre sublimement mélancolique d’Otto Preminger Bonjour tristesse est construit autour de la présence à l’écran unique et saisissante de Jean Seberg, qui apporte une fraîcheur surprenante et une honnêteté émotionnelle perçante à sa représentation d’un adolescent possessif et hédoniste déterminé à garder son père playboy pour elle-même alors que sur une idylle condamnée sur la Côte d’Azur. Selon Jean-Luc Godard, qui a interprété Seberg en face de Jean-Paul Belmondo dans son emblème de la Nouvelle vague française Breathless, le personnage qu’elle incarne dans son film a été conçu comme la continuation de son rôle dans Bonjour tristesse. Comme l’a dit Godard lui-même, « j’aurais pu prendre le dernier plan du film de Preminger et commencer après la dissolution en un titre: » Trois ans plus tard « .»

Samedi 25 avril

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Matinée du samedi: Paper Moon

Peter Bogdanovich revisite la tension lyrique de la nostalgie douce-amère qu’il a exploitée dans The Last Picture Show dans cette comédie des années 1930 sur le partenariat improbable qui se développe entre un escroc du Kansas parlant doucement (Ryan O’Neal) et une jeune fille (Tatum O ‘Neal) qui peut ou non être sa fille. La cinématographie monochrome évocatrice de László Kovács et la performance voleuse de scènes de Tatum O’Neal – qui est devenue la plus jeune personne à remporter un Academy Award pour son tournant mémorable face à son vrai père – font partie des plaisirs de cette tranche de poubelle Americana.

Dimanche 26 avril

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Avec Jean Arthur

Bien qu’elle ait traversé l’ère du silence, Jean Arthur était vraiment fait pour les talkies. Avec sa voix merveilleusement expressive, sa livraison décalée et son timing comique impeccable, elle s’est rapidement imposée comme l’une des plus grandes stars du genre duballon et un favori particulier du réalisateur Frank Capra, qui l’a interprétée comme la courageuse héroïne ouvrière de ses classiques. Les actes vont en ville, vous ne pouvez pas l’emporter avec vous, et M. Smith va à Washington. Tout au long de la fin des années 1930 et au début des années 40, Arthur a livré des performances mémorables dans des comédies et des drames pour les meilleurs réalisateurs comme Frank Borzage (History Is Made at Night), Howard Hawks (Only Angels Have Wings) et George Stevens (The More the Merrier) avant de se retirer brusquement en 1944, après quoi elle n’a fait qu’une poignée d’apparitions à l’écran. Personnalité célèbre et privée qui a ignoré les projecteurs tout au long de sa carrière, Arthur demeure l’une des personnalités les plus aimées et les plus énigmatiques de l’âge d’or d’Hollywood, une star singulière dont le charme excentrique était l’essence même du visball.

Tourbillon, Roy William Neill, 1934
Party Wire, Erle C. Kenton, 1935
Si vous pouviez seulement cuisiner, William A. Seiter, 1935
Héros public numéro un, J. Walter Ruben, 1935
Le parler de toute la ville, John Ford, 1935
L’ex-Mme. Bradford, Stephen Roberts, 1936
Mr. Deeds Goes to Town, Frank Capra, 1936
History Is Made at Night, Frank Borzage, 1937
You Can’t Take It With You, Frank Capra, 1938
Mr. Smith Goes to Washington, Frank Capra, 1939
Only Angels Have Wings, Howard Hawks, 1939
Arizona, Wesley Ruggles, 1940
The Devil and Miss Jones, Sam Wood, 1941
The Talk of the Town, George Stevens, 1942
The More the Merrier, George Stevens, 1943
The Impatient Years, Irving Cummings, 1944

Monday, April 27

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Observations on Film Art No. 36: Musical Motifs in The Battle of Algiers

Ennio Morricone is perhaps the preeminent film composer of the last half century, an enormously influential artist whose iconic melodies and imaginative orchestrations grace some of the greatest films ever made. In this edition of Observations on Film Art, Professor Jeff Smith analyzes Morricone’s masterful score for Gillo Pontecorvo’s revolutionary bombshell The Battle of Algiers, an explosive portrait of the Algerian struggle for independence from France. Exploring Morricone’s use of two distinct themes—one representing the French fighters, the other the Algerian resistance—Smith illuminates how the latter’s perpetually unresolved harmonics come to mirror the unending nature of the war itself.

Tuesday, April 28

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Short + Feature: Lost Highways – The Strange Ones and Paris, Texas

Lost souls embark on haunting journeys through the run-down motels and blinking neon of middle-American mythology in these evocative reimaginings of the classic road movie. Lauren Wolkstein and Christopher Radcliff’s acclaimed short The Strange Ones follows two brothers—or are they?—on a mysterious trek that only grows more enigmatic and unsettling with each twist and turn. It sets the mood for Wim Wenders’ Palme d’Or–winning contemporary western Paris, Texas, in which a mute drifter’s odyssey in search of his estranged wife becomes a sublime meditation on the very idea of America.

Wednesday, April 29

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Wadjda

The first feature film shot entirely in Saudi Arabia and the first made by a female Saudi director, Haifaa al-Mansour’s landmark narrative debut is a work of defiant humanism. Channeling the spirit of Italian neorealism, Wadjda follows the coming-of-age journey of a ten-year-old girl (Waad Mohammed) as she mounts a subtle rebellion against the social forces that constrain women, testing—and at times bumping up against—the limits of her freedom in a quest to obtain a bicycle. Balancing clear-eyed realism with an uplifting message of hope, Al-Mansour crafts a bittersweet, ultimately empowering vision of resistance in a patriarchal world.

Thursday, April 30

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Three by Jafar Panahi

The brilliant, fearless Iranian auteur Jafar Panahi has been under house arrest and banned from filmmaking since 2010 on the grounds of political dissent, but that has not stopped him from producing some of the most vital, urgent, and slyly perceptive works of the last decade. Shot under clandestine circumstances—and, in the case of This Is Not a Film, almost entirely in the director’s own apartment—these three films are by turns witty and cuttingly incisive commentaries on contemporary Iranian society that speak to the defiance and persistence of a courageous artist who has refused to be silenced.

This Is Not a Film, 2011
Taxi, 2015
3 Faces, 2018

  

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