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Top 50 des chansons rock des années 10

Les artistes les plus célèbres du rock n’ont pas produit beaucoup de musique au cours de la dernière décennie. Mais comme le montre notre liste ci-dessous des 50 meilleurs morceaux de rock des années 10, beaucoup d’entre eux ont fait bon usage de leur temps limité en studio.

AC / DC, Aerosmith, les Rolling Stones, Van Halen et ZZ Top font partie des grands noms qui n’ont sorti qu’un seul nouvel album studio entre 2010 et 2019. À quelques exceptions près, notamment Neil Young, des groupes de rock établis ont ralenti le rythme. à laquelle ils sortent de la nouvelle musique.

Les célibataires ont pris un coup encore plus grand. Cela fait des décennies que la radio rock classique a joué de nouvelles chansons avec régularité, même des artistes dont les morceaux plus anciens remplissent toujours leurs listes de lecture. MTV est musicalement mort depuis bien plus longtemps qu’il ne l’a jamais été. Et la récente résurgence du vinyle se concentre principalement sur les LP, pas sur les 45.

Pourtant, les artistes de la liste continuent de croire au pouvoir des grandes chansons. Vous trouverez ci-dessous des singles populaires et des pistes d’album obscures par les plus grands et les plus durables des artistes du rock, ainsi que quelques pistes de certains des nouveaux groupes.

50. Sleep, « Marijuanaut’s Theme » (extrait des Sciences, 2018)

Près de 20 ans après la sortie du dernier des albums influents des années 90 de Sleep, les rois du métal lapidé sont revenus avec The Sciences. Après leur rupture en 1998, le guitariste Matt Pike a exploré un style de musique plus agressif avec High on Fire. Mais après une réunion de construction lente qui a commencé en 2009, lui et le bassiste et chanteur Al Cisneros sont retournés au studio et ont livré un album qui a solidifié et élargi l’héritage de Sleep. À une heure relativement compacte de 6 h 40, le riff glacial et hypnotique inspiré du sabbat du «thème du Marijuanaut» constitue le point d’entrée parfait.

49. Bob Dylan, « Pretty Saro » (d’après Another Self Portrait, 2013)

L’autre portrait de Bob Dylan, le 10e épisode de sa série Bootleg, a mis en lumière une nouvelle et plus douce lumière sur l’un de ses premiers efforts violemment critiqués, Self Portrait des années 1970, avec des sorties, des démos et des morceaux inédits de cet album et New Morning. Le point culminant est « Pretty Saro », une ballade anglaise du XVIIIe siècle qui était passée inaperçue, même par les nombreux bootleggers de Dylan, jusqu’à ce qu’elle refasse surface en 2013. Le morceau bref mais charmant montre la profondeur de l’amour de Dylan et sa compréhension innée de la musique folklorique traditionnelle , et à quel point cela a influencé ses propres compositions.

48. George Thorogood and the Destroyers, « Going Back » (De 2120 South Michigan Ave., 2011)

Le 15e studio de Thorogood tire son nom de l’adresse du studio d’enregistrement Chess Records à Chicago. L’album lui-même est principalement composé de chansons enregistrées à l’origine par les artistes sur le célèbre label de blues. Deux originaux sont également inclus, comme cette déclaration de mission d’ouverture enthousiasmante. Sur un riff qui sonne comme le frère abuseur de stéroïdes de « Tush » de ZZ Top, Thorogood raconte l’histoire des échecs et loue ses héros de blues.

47. David Crosby, « What’s Broken » (D’après Croz, 2014)

Alors que « What’s Broken » se transforme en un nuage de cirrus de rêverie solitaire, David Crosby a brièvement récupéré toutes les promesses perdues de sa carrière solo – en sommeil pendant deux décennies et, en plus de 1971 si je ne pouvais que me souvenir de mon nom, largement oubliable. Certes, cela n’avait rien à voir avec une intronisation au Rock & Roll Hall of Fame à deux reprises avec une voix cristalline si tendre et inchangée qu’elle met un doigt droit sur votre cœur. Croz n’a pas complètement corrigé ce mal flagrant, mais a ouvert la porte à une renaissance en fin de carrière. Crosby a sorti trois autres albums dans les années 10, correspondant à son total de carrière avant cette date.

46. ​​Randy Newman, « The Great Debate » (Extrait de Dark Matter, 2017)

Randy Newman ouvre Dark Matter en 2017 avec une piste de huit minutes où il sert de modérateur dans la bataille sans fin entre la science et la religion, en particulier sur les questions liées au changement climatique. Comme il sied au plus grand sage du rock, il ponctue les débats avec suffisamment d’humour et se fait même appeler par son nom pour avoir érigé le côté religieux en homme de paille. L’ampleur de l’argument est à la hauteur de la musique, dont les cors, cordes et choeur gospel ambitieux et toujours changeants doivent plus à sa carrière de réalisateur que les chansons pop-meet-ragtime sur lesquelles il s’est fait un nom, bien qu’il y ait certaines des que là aussi.

45. The Monkees, « Me and Magdelena » (extrait de Good Times !, 2016)

Le premier album des Monkees depuis Justus en 1996 comprenait un certain nombre de chansons sûrement loufoques qui rappelaient leur apogée en tant que stars de la sitcom – soit parce qu’elles ont été écrites par des collaborateurs de longue date ou par des fans modernes comme Weezer’s Rivers Cuomo. « Me & Magdalena », composé pour les Monkees par Ben Gibbard de Death Cab pour Cutie, n’est pas ça. Au lieu de cela, ce joyau chanté par Mike Nesmith affiche un penchant étonnamment introspectif.

44. Paul McCartney, « I Don’t Know » (From Egypt Station, 2018)

Le premier album n ° 1 de Paul McCartney depuis 1982 s’ouvre sur ce sentiment de doute imminent, une émotion des plus surprenantes de la plus célèbre progénitrice de chansons d’amour stupides au monde. Les couplets, peut-être le plus sombre jamais écrit par McCartney, finissent par céder la place à un magnifique refrain plus typiquement consolant. La figure de piano de McCartney retrace parfaitement cette brillante juxtaposition.

43. The Cars, « Sad Song » (extrait de Move Like This, 2011)

Vous vous attendiez à ce que les Cars, réformées sans le défunt bassiste Benjamin Orr, sortent une chanson triste. Pas un morceau appelé « Sad Song » qui ne sonnait autre chose. En fait, le premier single du premier album studio des Cars en 24 ans possédait tout le nerf croustillant de leurs meilleurs côtés. Ric Ocasek et la société ne se sont pas simplement remis ensemble; ils ont définitivement récupéré leur héritage d’actes descendants comme Bloc Party, Bravery and the Strokes – puis, en cours de route, ont trouvé un chemin pour recommencer.

42. Corrosion de conformité, « Cast the First Stone » (extrait de No Cross No Crown, 2018)

Après avoir passé la majeure partie des deux dernières décennies à jouer de la guitare aux côtés de Phil Anselmo de Pantera dans Down, Pepper Keenan est revenu à Corrosion of Conformity en 2018. C’est une joie de l’entendre à nouveau derrière le micro, déchirant avec impatience une collection noueuse, noueuse et texturée impressionnante de des chansons qui s’inspirent également du punk, du Sabbat et de Skynyrd. « Cast the First Stone » sonne comme le taureau le plus en colère et le plus méchant du ranch, enfin sorti de la porte.

41. Bruce Springsteen, « Nous prenons soin des nôtres » (Tiré de Wrecking Ball, 2012)

La guitare slide semblable à une sirène qui ouvre « We Take Care of Our Own » sert de réveil. En sondant un pays détruit par la crise financière de la fin des années 2000, Bruce Springsteen nous rappelle une valeur américaine fondamentale – la nécessité de prendre soin les uns des autres lorsque le gouvernement a renoncé à ses devoirs envers ses citoyens – sur la piste d’ouverture de Wrecking en 2012 Balle.

40. Arctic Monkeys, « Tranquility Base Hotel & Casino » (Tiré de Tranquility Base Hotel & Casino, 2018)

La chanson titre de l’album Tranquility Base Hotel & Casino d’Arctic Monkeys 2018 a trouvé le groupe embrassant un son psychédélique luxuriant. Contrairement à leurs efforts précédents, qui avaient été écrits à la guitare, le chanteur Alex Turner a écrit exclusivement au piano pour ce LP. Le mouvement a été conçu pour lutter contre le blocage des écrivains et faire sortir Turner de sa zone de confort. Mission accomplie. «Tranquility Base Hotel & Casino», avec son son glissant et son croon cool, a livré une bravade artistique Bowie-esque. Une autre décision audacieuse de l’un des groupes de rock les plus fascinants du 21e siècle.

39. Sammy Hagar et le cercle, « Affirmation » (From Space Between, 2019)

Si vous pouviez remonter dans le temps et ajouter secrètement cette piste à la fin de 5150, il est difficile de croire que quiconque bat un œil. Mis à part l’absence d’un solo de guitare d’Eddie Van Halen, Sammy Hagar et Michael Anthony capturent sans effort la magie du premier album de Van Hagar sur la piste culminante de leur premier album avec le Circle. Au-dessus d’une basse de synthé et de claviers percutants tout droit sortis de l’Abacab de Genesis, Hagar jette des riffs de guitare volumineux et quelques instructions pour bien vivre: « Vous devez débrancher, rire à haute voix, avoir raison, faire attention, toucher des choses, se faire des amis, aime, ne juge pas, crois, ne déteste pas! « 

38. Bob Dylan, «Pay in Blood» (Extrait de Tempest, 2012)

Tempest, avec un récit du Titanic scarificateur comme pièce maîtresse, promettait d’être l’oeuvre la plus ruminative de Bob Dylan toujours énigmatique et jamais fatigante. Mais c’était différent à l’écoute. En fait, il y a souvent une sensation d’improvisation lâche – en particulier pendant des moments comme « Pay in Blood », qui s’installe dans un groove chancelant, presque comme un R&B country. Quant au thème, Dylan rejoint un récit de survivants durement mordu: « Comment je suis rentré à la maison, personne ne sait – ou comment j’ai survécu à tant de coups. Je suis allé en enfer. À quoi cela a-t-il servi? »

37. Uncle Acid and the Deadbeats, « I See Through You » (De Wasteland, 2018)

L’ombre de Black Sabbath dominait plus que jamais sur le heavy metal dans les années 10, avec de nombreux meilleurs groupes du genre élargissant ou déformant de manière créative le travail de Tony Iommi et compagnie. « Premier record du Black Sabbath, cela a tout changé », a déclaré Uncle Acid et le leader des Deadbeats Kevin Starrs à propos de son enfance. Il a rendu fiers ses héros et ses compagnons de tournée avec les cinq premiers albums de son groupe, qui mélangent des riffs flous avec un sens de la mélodie épris des Beatles et un sens sans fin de l’effroi de l’ère Altamont. Wasteland est leur collection la plus pointue à ce jour, donnant le coup d’envoi avec le « Je vois à travers vous » insidieusement accrocheur.

36. Ted Nugent, « Where Ya Gonna Run to Get Away from Yourself » (extrait de The Music Made Me Do It, 2018)

Imperturbable et franc comme toujours, Ted Nugent met en garde contre une révolution à venir tout en visant les moutons faibles qui font la queue pour leurs « lobotomies gouvernementales » sur sa coupe la plus forte pendant de nombreuses saisons de chasse. Comme toujours, la ponctuation la plus forte vient de son jeu de guitare, qui reste un merveilleux mélange de folie de bon goût.

35. The Raconteurs, « Help Me Stranger » (extrait de Help Us Stranger, 2019)

Jack White et Brendan Benson harmonisent leurs voix semblables sur une paire de grattes acoustiques folkloriques, un synthé grondant et un groove de batterie charrié avec charleston qui aurait pu être facilement intégré à une chanson hip-hop. « Help Me Stranger » – comme une grande partie du troisième album des Raconteurs, qui a suivi une sécheresse d’enregistrement de 11 ans – se penche sur le style de production / arrangement expérimental du récent travail solo de White. Mais l’énergie ne vacille jamais.

34. R.E.M., « Oh My Heart » (Extrait de Collapse Into Now, 2011)

Même s’ils n’ont annoncé Collapse Into Now comme un album d’adieu que six mois après sa sortie, il est assez clair que R.E.M. prenaient un tour de victoire en revisitant différentes époques de leur carrière. « Oh My Heart » les trouve carrément en mode guitare et mandoline Out of Time / Automatic for the People, avec la voix doucement douloureuse de Michael Stipe cédant la place à un chœur massif et immédiatement mémorable.

33. David Gilmour, « Rattle That Lock » (Tiré de Rattle That Lock, 2015)

S’il fallait critiquer les deux albums les plus récents de David Gilmour avant Rattle That Lock, c’est que son solo On an Island et Pink Floyd’s The Endless River souffraient parfois d’un sentiment confinant de calme. Si vous étiez parmi ceux qui auraient souhaité s’être libérés de cette réserve inébranlable plus souvent, la chanson titre de Rattle That Lock a livré. C’est comme si Gilmour s’était enfin réveillé. Il chantait avec une attitude féroce, allant parfois hors de sa portée. Il a joué avec une agression inouïe pendant un certain temps aussi.

32. David Byrne, « Tout le monde vient chez moi » (From American Utopia, 2018)

Les albums solo de David Byrne sont souvent considérés comme des affaires inégales, principalement en raison de la nature ambitieuse de son travail: il a tendance à réduire toute allée musicale aveugle lorsque la plupart des fans veulent juste qu’il ressemble à son ancien moi. « Tout le monde vient chez moi » fait exactement cela, ramenant Byrne au son nerveux classique de Talking Heads. Il invite même Brian Eno à venir.

31. Leonard Cohen, « You Want It Darker » (extrait de You Want It Darker, 2016)

Comme l’album de David Bowie en 2016, Blackstar, You Want It Darker de Leonard Cohen est arrivé quelques jours avant la mort de son créateur. Et tout comme le LP de Bowie, le disque de Cohen a gagné en poésie et en pertinence après son décès, avec des chansons qui se lisent comme des ruminations finales avant de passer à autre chose. La chanson-titre d’ouverture résume tout cela de manière élégante et succincte.

30. Lindsey Buckingham Christine McVie, « In My World » (De Lindsey Buckingham Christne McVie, 2017)

Il n’est pas surprenant que le premier album à présenter Lindsey Buckingham et Christine McVie depuis 1987 ressemble beaucoup au Tango in the Night de Fleetwood Mac. Ce qui était remarquable, c’est la rapidité avec laquelle Buckingham a cliqué avec McVie – même s’ils ne partageaient pas le genre d’histoire qu’il avait avec les disparus Stevie Nicks.

29. ZZ Top, « I Gotsa Get Paid » (De La Futura, 2012)

Après une pause de neuf ans dans la nouvelle musique, ZZ Top a engagé le producteur Rick Rubin pour les aider à revenir à l’essentiel sur La Futura en 2012. Le trio ne peut jamais marcher sur une ligne vraiment droite, et pourquoi voudrions-nous même qu’ils le fassent? Ainsi, le single principal était en fait une reprise lâche d’une chanson hip-hop de 1998, « 25 Lighters » par DJ DMD. Comme pour de nombreuses autres innovations du groupe, « I Gotsa Get Paid » convient parfaitement à ZZ Top comme les chapeaux nudu emblématiques du chanteur Billy Gibbons.

28. Ace Frehley, « Inside the Vortex » (Extrait de Space Invader, 2014)

La séquence de victoires en fin de carrière de l’ancien guitariste Kiss Frehley a atteint un nouveau sommet avec Space Invader en 2014. Les singles de ses albums récents ont tous tendance à être des reprises ou des numéros courts de pavot. Mais la vraie magie peut être trouvée dans des morceaux d’album plus longs comme « Immortal Pleasures », « Past the Milky Way » et surtout le chancelant « Inside the Vortex », où le Spaceman original laisse ses voix et solos de guitare glorieusement décalés voler librement à travers le galaxie.

27. U2, « Red Flag Day » (extrait de Songs of Experience, 2017)

U2 est retourné au « Red Flag Day » quand ils ont décidé de retravailler Songs of Experience après les bouleversements politiques du monde entier. Soudain, la question des réfugiés a repris une place centrale. Bono a frappé l’image des drapeaux rouges, car ils sont affichés lorsque les mers deviennent trop dangereuses pour la baignade – mais les boat people méditerranéens étaient si désespérés qu’ils sont allés à l’eau de toute façon. Le sujet a déclenché une approche de retour aux sources qui a rappelé les gloires de la guerre de 1983, mais avec une touche moderne pointue.

26. Neil Young, « Love and War » (d’après Le Noise, 2010)

Neil Young est resté, comme toujours, agité et implacable – imprégnant le projet moderniste et imprégné de réverbération de Le Noise d’une sorte d’anti-mélancolie. Il n’a pas cessé de chercher de la lumière dans l’obscurité et, même maintenant, il ne sonne jamais de la même façon d’un album à l’autre. En même temps, il admet ici que ses chansons parlent encore principalement d’amour et de guerre. Et pour cela, Young n’a fait aucune excuse. Après tout, semblait-il supposer, qu’est-ce qui nous unit le plus souvent – que ce soit pour protester ou pour prier?

25. Jack White, « Just One Drink » (De Lazeretto, 2014)

« Just One Drink » est aussi subtil en révélant ses influences qu’une gifle sur le visage après une longue nuit au bar. C’est la chose à propos de Jack White, malgré sa modernité hipster soigneusement cultivée. Quelque part sous les tenues folles, loin du stand d’enregistrement de curiosités et des cascades de records les plus rapides au monde, et malgré cette rupture déchirante avec Meg (non, en fait, nous n’en sommes pas encore là), White n’est vraiment qu’une pierre froide amateur de blues. « Just One Drink » le prouve.

24. Alice Cooper, «A Runaway Train» (Extrait de Welcome 2 My Nightmare, 2011)

Les suites peuvent être problématiques, mais Alice Cooper a livré un large éventail de délices dans ce suivi de ses débuts solo de 1975. En retrouvant les anciens camarades de groupe Dennis Dunaway, Michael Bruce et Dennis Smith dans une version retravaillée d’un ancien morceau de Dunaway, Cooper prend les choses encore plus haut en invitant la star de country Vince Gill à soulever toutes sortes d’enfer sur la guitare solo.

23. Reines de l’âge de pierre, « La façon dont vous faisiez » (From Villains, 2017)

Le single de boogieing du septième LP de Queens of the Stone Age a fait un signe de tête vers le passé et a montré la voie à suivre: le riff de guitare crasseux et les basses déformées rappellent la décadence de Era Vulgaris de 2007, mais la production du compagnon pop Mark Ronson offre une élégance adaptée à un public au-delà des inconditionnels du stoner-rock.

22. Mudcrutch, « Hungry No More » (à partir du 2, 2016)

Si les débuts surprise de Mudcrutch en 2008 semblaient être les premiers instants joyeux qui entourent une réunion, Mudcrutch 2 était le son de la mise en perspective. Leur sujet plongeait de plus en plus profondément dans les routes non empruntées, se réconciliant avec les passages de la vie et la douce rêverie de la mémoire . « Hungry No More », le dernier numéro de l’album, met la période à un record très adulte, avec un aperçu clair de la façon dont les choix que nous faisons se transforment en vies que nous menons finalement.

21. Arctic Monkeys, « Est-ce que je veux savoir? » (De AM, 2013)

Ce single à combustion lente de 2013 a marqué un tournant dans la carrière d’Arctic Monkeys. Alors que les premiers succès comme « I Bet You Look Good on the Dancefloor » et « When the Sun Goes Down » avaient prouvé que la tenue britannique pouvait écrire une chanson entraînante, « Do I Wanna Know? » a ajouté un fanfaron de blues-rock granuleux au style indie-rock du groupe. Les paroles de la chanson, détaillant une relation unilatérale qui frise l’obsession, ont également montré une profondeur et une intrigue supplémentaires. « Est-ce que je veux savoir? » est devenu un succès international, répertoriant 13 pays à travers le monde et atteignant la première place du palmarès des chansons alternatives de Billboard.

20. Chickenfoot, « Big Foot » (extrait de Chickenfoot III, 2011)

Après un premier effort plaisant, Chickenfoot s’est resserré et a élargi sa gamme sur son deuxième album plus dynamique. Le single « Big Foot » était une balle rapide qui donnait le ton droit au milieu, avec Joe Satriani riffant comme un paon qui se pavanait tandis que Hagar chante sur les choses importantes de la vie: dynamiter les maisons du Saint tout en accélérant sur la nuit pour voir son amant .

19. Ghost, « Dance Macabre » (extrait de Prequelle, 2018)

Les fantômes ont toujours prospéré avec un maximum de camper – des personnages du pape démoniaque et des « goules sans nom » au mélange de métal, de prog et de hard rock qui a propulsé leurs enregistrements à la renommée internationale. Mais même les fans hardcore ont peut-être levé un sourcil à ce coup de poing à couper le souffle, qui partageait plus d’ADN avec Journey de l’ère Steve Perry que Black Sabbath. « Je veux t’ensorceler au clair de lune », ceintures Tobias Forge au milieu de l’orgue gothique et des accords de pouvoir. Qu’est-ce qu’il n’y a pas à aimer?

18. The Black Keys, « Next Girl » (From Brothers, 2010)

Les acolytes bien connus du cliché de blues urbain du milieu du siècle n’ont pas cessé d’hybrider la musique afro-américaine dans le rock moderne sur Brothers autant que de sauter quelques décennies dans les années 70 – avec des grooves de blaxploitation et le nouveau fantomatique Curtis Mayfield- chant vocal du chanteur Dan Auerbach. Sur « Next Girl », cela signifiait ajouter une rainure de clavier expansive à une guitare fuzz rugissante, créant une sorte de menace de fond de cloche. Les résultats étaient aussi farouchement honnêtes et aussi funky que la pochette rigide de l’album.

17. Tom Petty and the Heartbreakers, « First Flash of Freedom » (From Mojo, 2010)

Sur l’un des morceaux les plus longs et les plus vastes de leur album Mojo 2010, blues, Tom Petty et les Heartbreakers canalisent le Allman Brothers Band avec une épopée hypnotique et couvante mettant en vedette de grands tourbillons d’orgue et des lignes de guitare entrelacées parfaitement déchiquetées.

16. Billy Idol, « Cartes postales du passé » (De Kings & Queens of the Underground, 2014)

Sur son premier album en neuf ans, Billy Idol renoue parfaitement avec les structures de chansons dramatiques et le mélange glacial de guitare et de synthétiseur qui lui ont valu la gloire sur des albums des années 80 tels que Rebel Yell et Whiplash Smile. Le guitariste de longue date et partenaire d’écriture de chansons Steve Stevens se lance également dans le plaisir du retour en ajoutant un peu de « White Wedding » à la fin de son solo de guitare.

15. Jack White, « Seize Saltines » (De Blunderbuss, 2012)

Jack White fait le plein de White Stripes sur ce riff-monstre de son premier album solo, reprenant une partie de cette majesté « Ball and Biscuit ». C’est assez satisfaisant pour marteler votre volant, inconscient des mots, mais cela vaut la peine de creuser dans le conte sauvage des amoureux obsessionnels et jaloux de White.

14. AC / DC, « Rock or Bust » (extrait de Rock or Bust, 2014)

Sur leur premier album sans le guitariste rythmique fondateur Malcolm Young, AC / DC offre exactement ce que vous attendez et espérez dans une chanson titre: un excellent riff, une déclaration claire de but et un chœur que leurs fans se souviennent et chantent pour le reste de leur vie. C’est une formule si simple que personne d’autre n’a pu la reproduire correctement depuis près de 50 ans maintenant.

13. The Rolling Stones, « Ride ‘Em on Down » (De Blue & Lonesome, 2016)

Lorsque les Rolling Stones ont décidé de faire un nouvel album il y a quelques années, ils ont été mis à l’écart par les couvertures de blues sur lesquelles ils se brouillaient pour le plaisir. Le record qui est sorti des sessions libres, Blue & Lonesome, était l’un de leurs meilleurs depuis des décennies. « Ride ‘Em on Down », basé sur une vieille chanson de Bukka White, présente un harmonica et une guitare féroces.

12. Roger Waters, « Picture That » (De Est-ce la vie que nous voulons vraiment?, 2017)

Roger Waters n’est pas connu pour ses coups de poing. Mais le coup de poing le plus décourageant de tous sur son album de 2017 est « Picture That », un morceau de Wish You Were Here-esque qui a demandé aux auditeurs de se souvenir mémorablement d’un leader sans cervelle. (Aussi un palais de justice sans lois.) C’est un point culminant sur un album où Waters reste manifestement énervé, mais aussi beaucoup plus à l’aise pour référencer directement son passé épineux avec Pink Floyd. Curieusement, il y est arrivé en travaillant avec des étrangers: le nouveau producteur Nigel Godrich – que Waters a rencontré quand il a mixé le film de 2014 Roger Waters: The Wall – a en fait amené un groupe de base complètement différent.

11. Iggy Pop, « Gardenia » (De Post Pop Depression, 2016)

Gardenia était une strip-teaseuse réelle, autrefois poursuivie par Iggy Pop et Allen Ginsberg. (Voir la ligne, « Le plus grand poète d’Amérique vous a lorgné toute la nuit. ») Le producteur de crédit Josh Homme pour avoir combiné son histoire avec une ligne de basse mémorable, transformant une anecdote amusante en une chanson de retour vivifiante qui a introduit la dépression post-pop. Pop a initialement indiqué que ce pourrait être son dernier album, mais l’a finalement suivi avec Free de 2019.

10. The Black Keys, « Little Black Submarines » (d’après El Camino, 2011)

Les Black Keys ont eu quelques succès agréablement polis sous leur ceinture par El Camino en 2011, leur troisième collaboration consécutive avec le producteur Danger Mouse. Mais le quatrième single de l’album offre un retour rafraîchissant à la brutalité, avec le chanteur Dan Auerbach chantant sur un ton grinçant au-dessus de la cueillette des doigts et de la distorsion soufflée.

9. Bruce Springsteen, « Western Stars » (extrait de Western Stars, 2019)

Bruce Springsteen a terminé les années 10 avec l’un de ses albums les plus décontractés et sans prétention, un retour au son de la fin des années 60 des disques classiques de Glen Campbell, avec des cordes, des cors et un thème mélancolique. Le titre méditatif des Western Stars est raconté par un vieux joueur de Hollywood qui revient sur ses jours de gloire.

8. Paul Simon, « Cool Papa Bell » (D’étranger en étranger, 2016)

À 74 ans, Paul Simon était plus musicalement aventureux que les artistes de la moitié de son âge lorsque Stranger to Stranger de 2016 est sorti. C’est son meilleur album depuis Graceland 30 ans plus tôt. Le producteur Roy Halee, l’architecte sonore derrière de nombreux classiques de Simon & Garfunkel, a aidé à construire cette ode ludique au joueur de baseball noir pionnier.

7. Van Halen, «Elle est la femme» (extrait d’un autre type de vérité, 2012)

Sur leur premier album avec David Lee Roth en 28 ans, Van Halen a ravivé une énorme partie de leur chimie et charisme fougueux d’origine. Avec Roth réécrivant les vers et le nouveau bassiste Wolfgang Van Halen contribuant à une répartition à mi-chanson, « She’s the Woman » est une parfaite réintroduction au groupe et la seule chanson que tous les fans de longue date souhaitaient était le premier single de A Different Kind of Truth.

6. Robert Plant, « New World » (extrait de Carry Fire, 2017)

Robert Plant a été inspiré pour écrire « New World » après avoir affronté l’impact de l’impérialisme sur les peuples autochtones, leurs traditions sacrées et l’environnement. Une visite à Fort Sill en Oklahoma a relié les points de l’histoire pour lui: le chef Quanah Parker et la bande Quahadas de Comanche y ont été chassés du Texas à l’été 1875 – une reddition qui a marqué la fin du conflit dans les plaines du sud entre les colons et les gens qui avaient toujours appelé cette terre à la maison. Plant a fait don du produit de « New World » à une œuvre caritative axée sur les Amérindiens appelée Honor the Earth.

5. Neil Young et Crazy Horse, « Psychedelic Pill » (extrait de Psychedelic Pill, 2012)

Neil Young a sorti deux albums avec Crazy Horse en 2012: Americana, qui était un LP de reprises datant du 19e siècle, et Psychedelic Pill, l’un de ses meilleurs de la décennie. Beaucoup de chansons de Pill s’étirent: deux pistes durent 16 minutes chacune, tandis qu’une autre dure 27 minutes. Le titre flou a coupé les horloges en trois minutes maigres.

4. Reines de l’âge de pierre, « Mon Dieu est le soleil » (De … Like Clockwork, 2013)

D’une certaine manière, « My God Is the Sun » ressemble à beaucoup de chansons de Queens of the Stone Age: floue, grognante, dure. Mais cela ressemble aussi à une chanson QOTSA prototypique, un résumé de leur carrière de 15 ans à ce moment-là. C’est certainement leur meilleure chanson de la décennie, mise en valeur par les tambours à vapeur de Dave Grohl.

3. Les Rolling Stones, « Doom and Gloom » (D’après GRRR !, 2012)

La énième compilation des Rolling Stones n’est pas le premier endroit où vous penseriez chercher leur meilleure nouvelle chanson en près de deux décennies. Mais là, enterré à la fin du 50e anniversaire du GRRR! collection, se trouve « Doom and Gloom », un point positif chargé et – crucial ici – Stonesy rocker qui a prouvé qu’il y avait encore de la vie dans l’ancien groupe.

2. David Bowie, « The Stars (Are Out Tonight) » (Tiré du lendemain, 2013)

David Bowie n’avait sorti aucune nouvelle musique depuis 10 ans quand il a annoncé un LP pour son 66e anniversaire. The Next Day a été une révélation: le meilleur album de Bowie en trois décennies et un retour à l’art-rock difficile qu’il a fait à la fin des années 70. « The Stars (Are Out Tonight) », sorti deux semaines avant l’album, est le clou du rock’n’roll.

1. David Bowie, « Lazarus » (De Blackstar, 2016)

« Lazarus » sonnait comme une renaissance créative pour David Bowie quand il est arrivé un mois avant son 25e album, Blackstar. La chanson et le LP se sont avérés être un requiem pour l’un des artistes les plus énigmatiques et brillants de la musique: Bowie est décédé deux jours après la sortie de Blackstar, faisant de ce dernier single de sa vie une fin poignante et appropriée.

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