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Les chansons de Glen Campbell, le Dr Dre, Fred Rogers et Tina Turner entrent dans le Registre national d’enregistrement

Également représentés cette année: Whitney Houston, Selena, live Cheap Trick, Village People et un appel chaotique à domicile.

Avec le coronavirus qui circule, ce n’est pas la meilleure idée de rester au Y.M.C.A., mais cela n’a pas empêché la Bibliothèque du Congrès d’introduire l’air de signature de Village People dans le Registre national d’enregistrement. La bibliothécaire du Congrès Carla Hayden a nommé « Y.M.C.A. » et 24 autres trésors sonores dignes d’être préservés cette année, choisis en raison de leur importance culturelle, historique et esthétique pour le patrimoine sonore enregistré des États-Unis, a-t-il été annoncé mercredi 25 mars.

La playlist comprend également des albums tels que Cheap Trick at Budokan, une importation live classique; La danseuse privée libératrice de Tina Turner; The Chronic, l’effort séminal hip-hop du Dr Dre; l’enregistrement original de Broadway de Fiddler on the Roof; Dusty à Memphis, de Dusty Springfield; La percée de Selena à Tejano Ven Conmigo; Concert dans le jardin, de la compositrice de jazz Maria Schneider; et le Concerto pour percussions cinétiques de Colin Currie, le plus récent enregistrement nommé.

Les sélections de chansons incluent « Wichita Lineman » de Glen Campbell; L’interprétation de Whitney Houston de « Je t’aimerai toujours » de Dolly Parton; «Moi et mon chauffeur Blues», de l’icône du blues country Memphis Minnie; « Bonjour Muddah, Bonjour Fadduh », la chanson du camp de nuit du comédien Allan Sherman; 21 airs interprétés par ce grand paruline, monsieur Rogers; et une chanson dont le titre semble avoir une pertinence particulière aujourd’hui, « Make the World Go Away » d’Eddy Arnold.

Mais attendez, il y a plus: l’appel de Russ Hodges au « Shot Heard ‘Round the World » de Bobby Thomson, qui a donné aux Giants de New York le fanion de la Ligue nationale de 1951 avec un coup de batte; Tosca de Puccini, interprétée par la grande opéra Maria Callas; « Whispering », un énorme succès de Paul Whiteman et de son orchestre en 1920; chansons écrites au XIIe siècle; heures de musique afghane traditionnelle; une émission de radio d’horreur de 1939; et l’annonce de l’assassinat du président Kennedy par un chef d’orchestre du Boston Symphony Orchestra lors d’une représentation en direct.

Aux termes de la National Recording Preservation Act de 2000, le bibliothécaire, avec les conseils du National Recording Preservation Board de la Bibliothèque du Congrès, est chargé chaque année de sélectionner 25 titres «d’importance culturelle, historique ou esthétique» et au moins 10 ans. « Le National Recording Registry est la liste de lecture évolutive du paysage sonore américain. Il reflète des moments de l’histoire capturés par les voix et les sons de l’époque », a déclaré Hayden dans un communiqué. « Nous avons reçu plus de 800 nominations … à ajouter au registre. Alors que les genres et les formats continuent de s’étendre, la Bibliothèque du Congrès s’est engagée à travailler avec nos nombreux partenaires pour préserver les sons qui ont touché nos cœurs et façonné notre culture. » Voici une liste chronologique de la 22e année de sélections, avec des descriptions fournies par la Bibliothèque du Congrès:

« Whispering », Paul Whiteman and His Orchestra (1920) Le hit à succès de Whiteman était le premier d’une longue série d’enregistrements populaires qui définissaient clairement un nouveau style et une nouvelle direction dans la musique de danse instrumentale – un qui aurait des effets durables. Bien que plutôt étrange pour les oreilles modernes, « Whispering » a été créé au sommet de la musique de danse à jour et a directement conduit à l’ère du big band. Parmi ses attributs, il y avait des lignes audacieuses et nettes avec la mélodie clairement devant. Finie la démodée du rôle principal confié à différentes voix à mi-chœur. En outre, le soutien harmonique et rythmique a été épuré pour un profil élégant et de bon goût, qui a encouragé le trot de renard à la recherche intelligente mis à jour de 1920. Avec le pianiste-arrangeur Ferde Grofé et le trompettiste as Henry Busse, Whiteman codifierait un type de jazz et serait populairement considéré comme son roi.

«Protesta per Sacco e Vanzetti», Compagnia Columbia; « Sacco e Vanzetti », Raoul Romito (1927)
Cette version combine une pièce de théâtre dramatique parlée sur sa face « A » avec une chanson de protestation sur la face « B ». Tous deux dénoncent l’exécution imminente de Nicola Sacco et Bartolomeo Vanzetti, deux immigrants italo-américains condamnés pour meurtre en 1920, mais que beaucoup croient avoir été cheminés en raison de leurs convictions politiques anarchistes. L’enregistrement a été réalisé par Compagnia Columba, un groupe d’acteurs qui a enregistré cette scène et d’autres pour le label Columbia. « Protesta per Sacco e Vanzetti » présente une scène lors d’un rassemblement pour les deux hommes, avec des acteurs, représentant différentes régions de l’Italie, s’exprimant en leur nom ainsi que d’autres accusés à tort: ?? »Amis, vous savez déjà ce qui nous a réunis ici , et je suis heureux de voir en ce moment solennel une foule composée non seulement d’Italiens mais de personnes de toutes nationalités: Italiens, Américains, Juifs, Anglais, Japonais.

En cette heure fatale, nous nous sommes réunis pour former une seule race: la race humaine! Sans différence en fonction de l’âge, de la classe ou de la fête. « La scène a été écrite par Frank Amodio, spécialisé dans les sketchs dramatiques et comiques destinés aux Italo-américains. Côté B, Romito, un ténor napolitain populaire résidant aux États-Unis, interprète un chanson écrite par Renzo Vampo et F. Penisero, dont on sait peu de choses, bien qu’ils aient écrit au moins une autre chanson pour défendre Sacco et Vanzetti.

« La Chicharronera », Narciso Martínez et Santiago Almeida (1936)
Martínez et Almeida, pionniers de la musique conjunto Tex-Mex, ont présenté la combinaison classique d’accordéon (Martínez) et de bajo sexto (Almeida) à ce sujet, leur premier enregistrement pour Bluebird Records. Martínez était connu comme le « père de la musique de Conjunto » et a eu une longue carrière au Texas, se produisant à partir d’un vaste répertoire de mélodies et de styles de danse populaires au niveau régional, y compris les polkas, les redovas, les schottisches, les valses, les mazurkas, les boléros, les danzones et les huapangos. Almeida a développé la guitare bajo sexto comme instrument d’accompagnement distinctif dans le style conjunto classique.

Leur musique illustre le mélange d’instruments et de genres de danse d’Europe centrale avec ceux du Texas mexicain qui duraient depuis au moins une génération avant de faire leurs premiers enregistrements. Ce son conjunto reste populaire dans la musique Tex-Mex sous une forme élargie et amplifiée. Martínez et Almeida ont reçu le prix d’artiste de la National Heritage Fellowship de l’AEN en 1983 et 1993, respectivement.

« Arch Oboler’s Plays » Épisode de La Bathysphère (18 novembre 1939)
Oboler était l’un des grands écrivains de suspense de la radio, connu pour le terrifiant et bien-aimé Lights Out! programme radio. Avant cela, il a dirigé cette série éponyme et l’une de ses pièces les plus connues, The Bathysphere. Il s’agit de la descente d’une cloche de plongée à une profondeur de 3200 pieds avec un équipage de deux hommes improbable: un scientifique et un dictateur, dont l’un peut ne pas être entièrement digne de confiance. Après avoir repris Lights Out !, Oboler a recréé cette pièce radiophonique, en 1943, avec de nouveaux acteurs mais avec le même suspense piquant. Des années plus tard, Rod Serling reconnaîtrait Oboler comme l’une de ses plus grandes influences.

« Moi et mon chauffeur Blues », Memphis Minnie (1941)
Lizzie Douglas, mieux connue sous le nom de Memphis Minnie, est née vers 1897 à Alger, en Louisiane. Elle a commencé la guitare quand elle était enfant après que sa famille a déménagé dans la région de Memphis, Tennessee, en 1904 et chantait et jouait sur Beale Street à l’âge de 13 ans. Elle a commencé à enregistrer en tant que Memphis Minnie pour le label Columbia en 1929 et a continué d’enregistrer plus plus de 200 chansons, plus que tout autre artiste de blues country féminin. « Me and My Chauffeur Blues » présente sa prestation vocale agressive et sans compromis et son travail de guitare piquante. C’est aussi sa chanson la plus connue, en partie grâce aux reprises de Big Mama Thornton, Nina Simone et Jefferson Airplane.

Match de barrage de la Ligue nationale: Giants de New York contre Brooklyn Dodgers – Russ Hodges, annonceur (3 octobre 1951)
En 1951, les Giants ont remporté 37 de leurs 44 derniers matchs pour rattraper leur rival Dodgers de Crosstown, forçant une série éliminatoire de trois matchs pour le fanion de la Ligue nationale. Les équipes ont partagé les deux premiers matchs, mettant en place le bris d’égalité au Polo Grounds. Alors que les Dodgers menaient 4-2 en fin de neuvième, les Giants avaient des coureurs aux deuxième et troisième rangs avec un retrait lorsque Bobby Thomson est intervenu dans le marbre. Le premier lancer de Ralph Branca était une grève appelée. Alors qu’il libérait son prochain pitch, l’annonceur des Giants Hodges a dit: « Branca lance … » puis a crié: « Il y a un long trajet. Ça va être, je crois – les Giants gagneront le fanion!

Les Giants remportent le fanion! Les Giants remportent le fanion! Les Giants remportent le fanion! « Le jeu a été couvert par d’autres annonceurs légendaires, notamment Ernie Harwell (Giants TV), Red Barber (radio Dodgers) et Gordon McLendon (la diffusion nationale), mais c’est l’appel de Hodges qui est le plus retenu. Il capture si vivement non seulement l’action sur le terrain mais aussi l’excitation du moment – vraiment le frisson de la victoire et l’un des plus grands appels de tous les sportscasting.

Tosca de Puccini, Maria Callas, Giuseppe di Stefano, Angelo Mercuriali, Tito Gobbi, Melchiorre Luise, Dario Caselli, Victor de Sabata (1953)
En 1981, le critique de Christian Science Monitor, Thor Eckert Jr., a écrit une critique de l’histoire de l’enregistrement de la Tosca de Puccini et a déclaré: « En 1953, Maria Callas, Giuseppe di Stefano, Tito Gobbi et le maestro Victor de Sabata avec les forces de l’opéra de La Scala réunis pour faire l’histoire de l’enregistrement – la plus belle Tosca de tous les temps et l’un des plus grands enregistrements d’un opéra sur disques.  » Aucune autre Tosca n’a égalé cette performance. Produit par Walter Legge, l’enregistrement a capturé l’un des plus grands triomphes de Callas. Le New Grove Dictionary of Music and Musicians indiquerait: «Parmi ses contemporains, elle avait la compréhension la plus profonde du style italien classique, les instincts les plus musicaux et l’approche la plus intelligente», tandis que Leonard Bernstein l’appellerait «la Bible de l’opéra».

« Bonjour Muddah, Bonjour Fadduh », Allan Sherman (1963)
Il s’agit d’une chanson de bande dessinée avec des paroles écrites par Sherman et Lou Busch (sur l’air de « Dance of the Hours » de Ponchielli) dans laquelle un garçon décrit ses expériences de camp d’été au camp fictif de Grenade. Au moment de l’enregistrement, Sherman était un scénariste et producteur de télévision à succès intermittent spécialisé dans les jeux télévisés, tandis que Busch était surtout connu comme le pianiste ragtime Joe « Fingers » Carr. Sherman a vécu dans la section Brentwood de Los Angeles et a parfois interprété ses parodies de chansons pour des voisins comme Harpo Marx et George Burns. Burns l’a porté à l’attention de Warner Bros. Records.

Les deux premiers albums de Sherman, sortis en 1962 et 1963, sont en tête des palmarès, mais ce sera ce single de son troisième album, My Son, the Nut, qui l’immortalisera. Les paroles étaient basées sur des lettres de plainte que Sherman avait reçues de son fils, Robert, alors que le garçon fréquentait un camp d’été à Westport, New York. Les premières lignes sont mémorisées par trois (ou plus) générations d’Américains: « Bonjour Muddah, bonjour Fadduh / Me voici au Camp Granada. » « Cela aurait étonné mon père, plus de 50 ans depuis qu’il l’a écrit. C’est toujours quelque chose dont les gens se soucient, chantent », a déclaré Robert Sherman.

Diffusion WGBH le jour de l’assassinat de JFK, Boston Symphony Orchestra (1963)
L’adage sans âge de «dessiner le confort à travers la musique» n’avait jamais été aussi minutieusement testé que lors de la diffusion prévue de l’après-midi du Boston Symphony, avec le chef Erich Leinsdorf, le 22 novembre 1963. Juste après la conclusion du Concerto Grosso de Haendel en si bémol majeur et un deuxième court métrage, Leinsdorf s’est adressé stoïquement au grand public avec un changement de programme et pour partager la tragique nouvelle du décès du président Kennedy à Dallas. Pour ceux du public et des milliers d’autres à l’écoute de la radio, c’était leur première nouvelle de l’assassinat.

Dans le hall, des halètements se faisaient entendre. Alors que tout le monde – y compris les musiciens – traitait la nouvelle, la partition de la « Marche funèbre » de la Symphonie n ° 3 de Beethoven a été distribuée à l’orchestre, qui l’a courageusement joué. Le lendemain, Margo Miller du Boston Globe a rapporté: « L’Eroica marcia funebre est l’un des grands moments de la musique. Le rythme effrayant de la marche ne peut pas être déguisé. Pourtant, il y a une section centrale du mouvement, une période d’incroyable l’énergie et la participation, d’une manière ou d’une autre, semblait-il vendredi, exprimant un espoir éternel. « 

Fiddler on the Roof, Casting original de Broadway (1964)
Le personnage de Tevye le laitier a été créé par l’écrivain yiddish Sholem Aleichem et est un juif russe orthodoxe qui tente d’élever ses filles et de mener une vie humble sous le règne oppressif du tsar. Alors que les contes d’Aleichem avaient été adaptés à plusieurs reprises auparavant, la véritable entrée de Tevye dans la plus grande conscience du public est venue avec Fiddler on the Roof, l’adaptation musicale des histoires d’Aleichem. Le librettiste Joe Stein était devenu un fan de l’écriture d’Aleichem et avait demandé l’aide du compositeur Jerry Bock et du parolier Sheldon Harnick pour créer un spectacle qui incorporait la musique juive traditionnelle – comme le klezmer – dans un cadre de théâtre musical moderne au service d’une histoire sur les traditions en conflit avec le monde moderne.

Dans le processus, le spectacle a rapproché le public juif d’une partie de leur héritage (en particulier la sobriété dans un monde post-Seconde Guerre mondiale) tout en présentant au public gentil une histoire construite sur des thèmes universels et un protagoniste central à la fois conflictuel et admirable. Avec la direction de Jerome Robbins et l’ouverture avec Zero Mostel en tant que Tevye fascinant, Fiddler est devenu un énorme succès à Broadway, réalisant un record de 3242 performances. Cet enregistrement de casting de RCA Victor présente les versions originales de chansons qui sont maintenant devenues des standards, dont « Matchmaker », « Tradition », « If I Were a Rich Man » et « Sunrise, Sunset ».

« Faire disparaître le monde », Eddy Arnold (1965)
Cette chanson a amené Arnold, le célèbre hitmaker country, à un nouveau public plus jeune et a lancé ce qu’il a appelé sa deuxième carrière. L’enregistrement présentait la mélodie mémorable et les paroles plaintives de l’auteur-compositeur Hank Cochran, la voix moelleuse du baryton d’Arnold et le soutien de bon goût de ces piliers de la session de Nashville comme le guitariste Grady Martin, le pianiste Floyd Cramer et les chanteurs Anita Kerr, ainsi qu’une section de cordes de huit morceaux. « Make the World Go Away » était un excellent exemple du style « country » de la musique country et l’un des points culminants du son de Nashville que le producteur Chet Atkins et d’autres avaient mis au point. Sorti à l’automne 1965, il est devenu une présence inattendue dans le top 10 national aux côtés des Beatles, James Brown et Dean Martin alors que peu d’autres chansons country se retrouvaient dans les charts pop.

Collection Hiromi Lorraine Sakata de musique traditionnelle afghane (1966-67; 1971-73)
Cette collection de plus de 50 heures d’enregistrements de terrain importants et uniques en provenance d’Afghanistan a été réalisée par l’ethnomusicologue Sakata. Elle a fait ses premières recherches en Afghanistan en 1966-67 et a capturé 25 heures d’enregistrements de chanteurs et instrumentistes des provinces de Kaboul, Khandahar, Urozgan, Nangarhar, Herat, Balkh et Nuristan. Son deuxième voyage, de 1971 à 1973, a donné lieu à 26 heures supplémentaires d’enregistrements depuis Herat, Kaboul, Badakhshan, Hazarajat et Kandahar. Comme elle l’a écrit dans son livre de 2002, Music in the Mind: The Concepts of Music and Musician in Afghanistan, ces enregistrements documentent un temps et un lieu qui ont maintenant disparu. L’invasion, la guerre civile et les bouleversements sociaux ont perturbé et, dans certains cas, détruit la vie musicale qu’elle a documentée. Sakata, un expert bien connu de la musique afghane, a enseigné à l’Université de Washington et à l’UCLA pendant des décennies. Ces enregistrements importants sont maintenant déposés aux archives d’ethnomusicologie de l’Université de Washington.

« Wichita Lineman », Glen Campbell (1968)
Campbell a fait sensation à la fois dans les charts country et pop et a atteint une énorme renommée dans les années 60 et 70 avec un style de chant qui correspondait à un ton génial avec des paroles introspectives, en les soulignant d’une manière qui le rendait idéal pour les auteurs-compositeurs country modernes, la plupart notamment Jimmy Webb. Webb a conçu l’histoire derrière « Wichita Lineman » en conduisant à travers le comté de Washita, Oklahoma, lorsque les comtés avaient leurs propres services publics et employés de ligne. Parmi les lignes interminables de poteaux, il y avait un joueur de ligne qui se profilait qui a frappé Webb comme «l’image de la solitude». Que disait l’homme dans le récepteur?

Webb s’est placé dans la tête de l’homme et, avec les sentiments persistants d’une liaison avec une femme mariée, a créé l’une des plus belles chansons pour gravir les palmarès. L’emplacement étant passé de Washita à Wichita (du Kansas), plus euphonique, « Wichita Lineman » a frappé les auditeurs avec ses paroles poétiques à propos d’un homme qui tentait d’établir un lien romantique face à sa solitude paralysante. BBC Radio 2 l’a récemment décrite comme « une de ces chansons rares qui semble d’une manière ou d’une autre exister dans un monde à part – non seulement intemporel mais finalement en dehors de la musique moderne ». « Je suis humilié et, en même temps pour Glen, je suis extrêmement fier », a déclaré Webb, qui a écrit « Wichita Lineman ». « Je souhaite qu’il y ait un moyen de dire: » Glen, tu sais qu’ils font ça. Ils mettent cette chose dans une montagne. «  »

Dusty à Memphis, Dusty Springfield (1969)
En 1968, la chanteuse londonienne Springfield était déjà un succès au Royaume-Uni lorsqu’elle est venue en Amérique pour enregistrer ce qui allait devenir l’album déterminant de sa carrière. Même avant Memphis, Springfield avait des liens étroits avec la musique américaine, ayant sorti des tubes écrits par Burt Bacharach et Hal David ainsi que Gerry Goffin et Carole King. Trois producteurs légendaires ont participé aux séances: Jerry Wexler, Arif Mardin et Tom Dowd. Les morceaux instrumentaux ont été enregistrés au légendaire American Sound Studio à Memphis avec les Memphis Cats et les chanteurs de sauvegarde les Sweet Inspirations (la mère de Whitney Houston, Cissy Houston, était membre).

Springfield a d’abord enregistré sa voix dans la ville du Tennessee mais, apparemment insatisfaite des résultats, elle les a ensuite réenregistrés aux studios Atlantic à New York. Bien que le single « Son of a Preacher Man » ait été un succès, les premières ventes d’albums se sont avérées modestes. Au fil du temps, Dusty in Memphis a grandi en stature pour devenir largement reconnu comme un album important par une femme à l’ère du rock. Elvis Costello, qui a contribué les notes de doublure à une réédition de Memphis 2002, écrit: « Le chant de Dusty Springfield sur cet album est parmi les meilleurs jamais enregistrés par quiconque. » Sa voix, a écrit Costello, a été « enregistrée dans l’équivalent audio d’un » gros plan extrême « . Chaque souffle et soupir est pris, et pourtant il peut monter en flèche. « 

Mister Rogers chante 21 chansons préférées du quartier de Mister Rogers, Fred Rogers (1973)
Près de deux décennies après la dernière diffusion de Mister Rogers ‘Neighbourhood en 2001, Fred Rogers reste une figure influente de la culture américaine. En tant que présence durable à la télévision publique nationale depuis 1968, il a mis l’accent sur le développement holistique de l’enfant par le jeu, la curiosité et l’interaction humaine tout en favorisant l’intelligence émotionnelle. Rogers détenait un baccalauréat en composition musicale et exploitait judicieusement le potentiel de la musique pour influencer l’émotion, la mémoire et le développement cognitif en composant de manière prolifique pour son programme.

De nombreux invités musicaux et la présence constante d’un trio de jazz interne dirigé par le pianiste Johnny Costa ont également exposé les auditeurs à un large éventail de musique de haute qualité. Certains morceaux sont devenus synonymes du programme, en particulier les thèmes d’ouverture et de fermeture ainsi que «You Are Special» et «I’m Proud of You». Sa récitation de ses paroles pour « What Do You Do (With the Mad That You Feel) » a été un point culminant de son témoignage en 1969 devant le Sous-comité sénatorial des communications qui a permis d’économiser des fonds pour la radiodiffusion publique.

Bon marché à Budokan, Bon marché (1978)
Même si une poignée de critiques américains et de fans dévoués auraient pu vous parler de leurs formidables performances live, Cheap Trick avait, à la fin des années 1970, très peu d’impact chez eux aux États-Unis, mais ils étaient déjà énormes au Japon. En 1978, au Budokan de Tokyo devant 12 000 fans ardents, le groupe enregistre cet album live fondateur, qui était à l’origine destiné uniquement à la vente sur le marché japonais. Mais alimenté par le bouche-à-oreille et la retransmission sur quelques stations de rock FM américaines, les importations à prix élevé de l’album ont commencé à se vendre en nombre inouï pour une sortie japonaise aux États-Unis.La diffusion et l’intérêt ont augmenté lorsque Epic, le groupe de maison de disques, stations de radio desservies avec une version promotionnelle de l’album non disponible dans les magasins avant de sortir finalement Cheap Trick à Budokan au pays en février 1979. Il s’est avéré être la création du groupe dans son pays d’origine, ainsi qu’une alternative bruyante et bienvenue à la disco et au soft rock et un retour décisif pour le rock.

Holst: Suite n ° 1 en mi bémol, Suite n ° 2 en fa / Handel: Musique pour les feux d’artifice royaux / Bach: Fantasia in G (Édition spéciale Audiophile Pressing), Frederick Fennell and the Cleveland Symphonic Winds (1978)
Il s’agissait du premier enregistrement numérique commercial de musique symphonique aux États-Unis et a été capturé sur l’enregistreur Soundstream, le premier enregistreur numérique commercial disponible, présenté par l’inventeur américain Thomas Stockham. L’original est sorti sur vinyle en 1978, puis à nouveau en 1983 en tant que premier CD pour le label américain Telarc. L’enregistrement a été produit par Robert Woods et conçu par Jack Renner, co-fondateurs du label Telarc. Telarc et Soundstream ont travaillé ensemble, augmentant la capacité de l’enregistreur Soundstream, et les résultats ont eu un impact immédiat sur le public du monde entier. La World Book Encyclopedia a décrit cet enregistrement comme ayant « la grosse caisse entendue dans le monde entier ».

«YMCA», Village People (1978) En 1977, Village People a émergé comme un sextuor vocal délibérément campy et aux costumes extravagants – les Amérindiens, le flic, le motard, le soldat, le cow-boy et le travailleur de la construction – chantant de la danse optimiste hymnes au sol qui faisaient souvent référence à la culture pop gay. Maintenant, plus de quatre décennies après sa sortie dans les rues et les pistes de danse, « Y.M.C.A. », leur plus grand succès, est un phénomène culturel américain – des gens de tous horizons font le « Y.M.C.A. » danser lors de mariages, de bar-mitsva ou d’événements sportifs. Il est aussi susceptible d’être entendu lors d’un bal du Midwest que lors du défilé de la Gay Pride à New York. À son apogée, « Y.M.C.A. » a été un succès à travers le monde, se classant n ° 1 dans les charts dans une quinzaine de pays, et sa popularité continue est la preuve que, malgré les opposants, la disco n’est jamais vraiment morte. « Je ne savais pas quand nous avons écrit ‘Y.M.C.A.’ qu’il deviendrait l’une des chansons les plus emblématiques du monde « , a déclaré le chanteur Victor Willis. « Je suis heureux que Village People fasse sourire le monde depuis plus de 40 ans avec notre musique. »

Une plume sur le souffle de Dieu, voix gothiques; Christopher Page, chef d’orchestre; Hildegard von Bingen, compositeur (1982)
L’abbesse bénédictine du XIIe siècle von Bingen est la plus ancienne compositrice connue dont les œuvres ont survécu jusqu’à nos jours. Elle était également écrivain, philosophe, mystique chrétien et visionnaire – le titre de l’album est une citation d’un de ses écrits. Son répertoire avait été ignoré pendant des décennies jusqu’à la sortie de ce magnifique enregistrement des Gothic Voices primées, réalisé par Page et conçu par Tony Faulkner. Ce fut le premier enregistrement de Gothic Voices; il a également marqué le début de Gothic Voices en tant que groupe permanent. La sortie a contribué à augmenter – quoique tardivement – l’histoire de la vie de von Bingen et ses réalisations remarquables à l’intérieur et à l’extérieur de la musique. « Cet album de la musique de Hildegarde von Bingen a apporté l’art d’une femme incroyable à un public entièrement nouveau, et je me sens très chanceux d’avoir fait partie du groupe qui l’a enregistré « , a déclaré la soprano Emma Kirkby.

Danseuse privée, Tina Turner (1984)
Turner a survécu à un mariage brutal pour retrouver la gloire et obtenir la reconnaissance en tant qu’artiste solo et superstar à part entière avec cet album intemporel de retour. Après plusieurs projets solo qu’elle a libérés à la suite de son divorce avec Ike Turner, Turner était sans contrat d’enregistrement lorsque John Carter l’a signée chez Capitol Records en 1983 et elle a commencé à travailler sur Private Dancer en Angleterre. Propulsé par le single principal, « Qu’est-ce que l’amour a à voir avec ça? » (plus tard le titre du biopic sur grand écran à son sujet), Private Dancer a révélé Turner comme une chanteuse mature et polyvalente dont le travail transcendait les catégories comme le rock et la pop. Depuis lors, l’album et son cycle de chansons sont devenus une pierre de touche et un symbole d’une féminité puissante. Private Dancer l’a solidifiée en tant que légende – un statut qu’elle a atteint selon ses propres termes. « La capacité innée de Tina à étendre sa portée en profondeur dans tout ce nouveau matériel semble, à ce jour, tout simplement incroyable. Jamais égalée », a déclaré Rupert Hine, un musicien, auteur-compositeur et producteur de l’album. « Ces chansons ont été peuplées en si peu de jours à une énergie si élevée qu’elles ont laissé filer celles qui restaient dans la pièce par la suite. Quelque chose de très spécial se passait juste sous nos pieds. »

Ven Conmigo, Selena (1990)
Cet album de 1990 de Selena Quintanilla a été le premier disque Tejano d’une artiste féminine à obtenir le statut Gold. L’album marque également un tournant à la fois dans la carrière de Selena et dans le genre musical Tejano – car il a apporté la musique à un public américain plus large et a bouleversé la domination d’actes dirigés par des hommes dans le genre. Le biographe de Selena, Joe Nick Patoski, met en évidence la portée stylistique élargie de l’album, que sa polyvalence a rendue possible. Les sélections repoussaient les limites du genre Tejano à l’époque tout en gardant le rythme au cœur de la musique; comme Patoski a cité Selena, « je ne pense pas que vous puissiez vraiment jouer avec le rythme. » Des succès comme « Baila esta cumbia » ont aidé à établir Selena comme « la reine régnante du monde de la musique de Tejano », comme sa nécrologie dans le New York Times l’a appelée cinq ans plus tard.

The Chronic, Dr Dre (1992)
The Chronic est le premier album solo de l’artiste et producteur de hip-hop Dr.Dre, un ancien membre de N.W.A. En plus d’illustrer le style « G Funk » de la production hip-hop, il a solidifié la domination de la côte ouest du genre, et son influence se fera entendre pendant des années à venir. The Chronic a également présenté des apparitions de la future superstar Snoop Dogg, qui a utilisé l’album comme rampe de lancement pour sa propre carrière solo. Il est considéré comme l’un des albums les plus importants et les plus influents des années 1990 et considéré par de nombreux fans et pairs comme l’album hip-hop le plus bien produit de tous les temps.

« Je t’aimerai toujours », Whitney Houston (1992)
Inspirée en partie par la fin de son partenariat musical avec Porter Waggoner, cette chanson avait été un grand succès dans les charts country de 1974 pour son écrivain, Dolly Parton. Plus tard, il deviendra l’une de ses compositions phares; au fil des ans, elle a souvent conclu ses concerts et ses émissions de variétés télévisées avec. Au début des années 90, l’acteur Kevin Costner a suggéré à la diva pop de Houston de l’enregistrer pour la bande originale de leur prochain film, The Bodyguard. Déjà reconnue comme l’une des grandes voix de sa génération, Houston a pris la chanson et l’a fait sienne. Sa performance puissante et passionnée a conduit son interprétation au sommet des charts. Il deviendra finalement la chanson phare de Houston et se vendra à plus de 20 millions d’exemplaires.

Concert dans le jardin, Maria Schneider Orchestra (2004)
La danse imprègne l’album de Schneider avec des titres tels que « Dança Ilusória » et « Choro Dançado ». En écoutant « Pas de Deux », il est difficile de ne pas se souvenir de l’album séminal d’Espagne, Miles Davis, réalisé avec l’arrangeur Gil Evans, avec qui Schneider a travaillé en étroite collaboration dans les années 1980. C’est un témoignage de la composition et de l’arrangement des talents de Schneider que son travail peut être considéré non pas comme une copie du travail d’Evans, mais comme une extension de celui-ci. Et c’est un hommage à sa détermination et à son leadership que l’Orchestre Maria Schneider avait une quinzaine d’années au moment de cet enregistrement, avec ses 18 membres en grande partie intacts durant cette période.

Pour eux, Schneider a créé un amalgame de big band, de musique de chambre et de jazz improvisé. Une telle improvisation peut être vue dans le solo acclamé par la critique de Donny McCaslin dans « Buleria, Solea y Rumba ». De plus, Concert in the Garden a été le premier album à remporter un Grammy sans avoir été vendu en magasin, distribué numériquement sans format fixe. De plus, l’album a été financé et distribué par le site de crowdfunding ArtistShare pour répondre à la demande des fans de styles de musique qui ne seraient pas autrement disponibles tout en offrant aux artistes un plus grand contrôle sur leur travail.

Concerto pour percussions, Colin Currie (2008)
Un rêve de batteur, la composition Percussion Concerto de Jennifer Higdon a reçu un Grammy en 2010. Il a commencé comme une co-commande entre le Philadelphia Orchestra, l’Indianapolis Symphony Orchestra et le Dallas Symphony Orchestra. Tim Smith de The Baltimore Sun a écrit que l’œuvre en un seul mouvement « déclenche une tempête cinétique de rythmes urbains, équilibrée par des passages de réflexions influencées par l’Asie qui exploitent les qualités les plus séduisantes des divers instruments de percussion assignés au soliste. » Et Marin Alsop, le chef d’orchestre de cette performance particulière, a déclaré que le concerto « embrasse le concept et explique qu’une priorité majeure pour elle est de donner aux auditeurs un sentiment d’ancrage et une idée de l’endroit où ils se trouvent dans ses compositions. » Cet enregistrement du percussionniste suprême Currie – en effet, la pièce a été écrite pour lui – capture sa grande virtuosité. La pièce gagnerait un Grammy pour la meilleure composition contemporaine classique.

Cet article a été initialement publié sur The Hollywood Reporter.

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