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Waxahatchee trace le son de la récupération sur ‘Saint Cloud’: ‘J’ai dû frapper une pause’

En tant que cerveau du projet indépendant Waxahatchee, l’auteure-compositrice-interprète Katie Crutchfield ne s’est jamais contentée d’un seul son ou d’un seul mode de jeu. Au cours de quatre albums et d’un EP récent, son écriture a évolué dans et autour d’un univers familier de constantes thématiques avec une voix et un œil, vers une spécificité qui lui est entièrement propre. Les noms de lieux, les dates et les mots et phrases particuliers aident à ancrer la musique dans la mémoire – de l’esthétique acoustique souple du week-end américain de 2012 au patchwork de réminiscence rurale et de thrash urbain qui était Out In The Storm de 2017.

Sur son nouvel album Saint Cloud, sorti ce vendredi (27 mars), Crutchfield troque ces guitares grinçantes contre quelque chose de plus clair et plus spacieux, un antidote aux turbulences personnelles qui ne faisaient que s’intensifier depuis sa dernière tournée. « Je devais juste m’asseoir avec moi-même, en tant que personne défectueuse qui souffre, avant de pouvoir me concentrer à nouveau sur la création d’un album », a déclaré Crutchfield à Billboard.

Au cours de cette période inter-albums, elle a trouvé l’inspiration dans de nouveaux collaborateurs, comme le groupe folk-rock Bonny Doon, basé au Michigan, qu’elle a absorbé dans Waxahatchee, et le producteur chevronné Brad Cook (Bon Iver, William Tyler, Hand Habits), qui Crutchfield se décrit comme l’un de ses plus proches collaborateurs et meilleurs amis. Elle a également arrêté de boire, dans un acte de guérison qui est devenu la loge conceptuelle du disque; la dépendance et la codépendance, dit-elle, sont les deux démons jumeaux qui ont nécessité ce record.

Ce sens de rafraîchissement spirituel est codé en dur dans Saint Cloud, qui contient certaines des chansons les plus pointues de Crutchfield à ce jour. «Oxbow», la salve d’ouverture, commence dans une incertitude éclaboussante et percutante avant de se cristalliser en une sorte de chant doux. «Je veux tout», chante-t-elle, l’impossibilité du rêve le rendant encore plus riche. Crutchfield cite la légende du pays Lucinda Williams comme une influence clé sur le disque, et il n’est pas difficile de l’entendre dans ses affectations vocales et ses coups de guitare assurés. (Elle décrit également la musique de Williams comme «imprimée sur [her] âme »).

Mais Williams persiste également dans l’écriture, qui se sent à la fois serrée dans sa structure et sans limites dans son concept. Deux semaines d’enregistrement au Sonic Ranch, un studio résidentiel tentaculaire juste au nord de la frontière mexicaine au Texas, ont également contribué au sentiment psychologiquement différent de l’album des projets Waxahatchee précédents, dont la plupart ont été conçus entre Philly et Brooklyn. Son éclat balayé par le vent et adjacent au pays est tout à fait pertinent – à la fois le produit de son environnement d’enregistrement du Sud et de la mémoire distinctement américaine qu’il réfracte.

Le résultat est une collection de vignettes chaudes et ensoleillées avec une obscurité palpable dans les paroles; la douleur se cache toujours, menaçant de submerger, mais dans le son, il est clair qu’elle ne le fait jamais tout à fait. Crutchfield termine « Witches » avec un aperçu à cet effet: « Le mythe sans lutte, bébé / Il ne peut pas remplir votre cœur. » Et s’il y a jamais eu un temps pour des résolutions durement gagnées, pour des roues de voiture sur des routes de gravier et pour des rêves de grands espaces, c’est maintenant.

Billboard a parlé à Crutchfield de la création de Saint Cloud au moyen de singles Tierra Whack, d’articles dans The Cut, et plus encore.

La conversation suivante a été condensée et modifiée pour plus de clarté.

Soniquement, l’album est brillant et vierge; c’est un vrai pas loin du grain de votre dernier album. Était-ce toujours dans les cartes de ce disque, ou le son a-t-il évolué au cours de l’écriture et de la production?

C’était en quelque sorte l’intention du tout début. Je suppose que cela vient probablement du milieu de la tournée Out In The Storm. Cet album est très gros et brut, et il y a tellement d’ambiance. Il y a tellement de son partout, et la voix est très affectée, et c’est comme de grosses guitares – c’est presque claustrophobe, sur le plan sonore. J’ai l’impression que cela évoque les émotions que j’essayais d’évoquer sur cet album. parce que c’est, lyriquement, si intense et brut, et immédiat. Mais ensuite, en le visitant, et en ressentant la réaction des gens à ce sujet, je me suis dit: « Oh non, j’ai peur que les gens pensent que je suis une personne rock maintenant! » Et je ne le suis tout simplement pas. Ce n’est tout simplement pas qui je suis. J’ai fait un album de rock, et j’adore ça, et j’aime la musique rock, mais je ne vais pas plus loin dans ce terrier de lapin. Je dois donc faire quelque chose pour faire comprendre aux gens que ce n’est pas qui je suis.

Mes influences se déplaçaient simplement, comme des choses que j’avais toujours aimées, comme Lucinda Williams et Gillian Welch, des gens comme ça – ils devenaient juste ma musique du moment. Il commençait juste à donner l’impression qu’il était imprimé sur mon âme un peu plus que jamais. Et je pense que même en chantant comme ça, ou en commençant à jouer comme ça ici et là, je me suis rendu compte que la réaction qu’il obtenait, se reflétant sur moi, c’était comme: « Oh, c’est un tout nouveau monde pour vous. »

Et puis j’ai fait une tournée avec Bonny Doon, qui était l’un de mes groupes préférés, du Michigan, et ce sont mes amis. Et immédiatement, quand ils ont commencé à jouer mes anciennes chansons, je l’ai juste reconnu comme le son que je cherchais. La façon dont ils jouent de la guitare… tout est un peu plus doux qu’Out In The Storm. Mais ils sont tellement talentueux, et nous nous sentions tellement vivants sur scène. Ils étaient si présents en tant que joueurs que cela semblait même improvisé. Alors je leur ai demandé de faire un disque avec moi.

Quelle a été la dynamique entre vous et Brad Cook, travaillant sur ce disque? On dirait qu’il y a aussi une énergie dans Sonic Ranch – donc beaucoup des grands albums des dernières années y ont été enregistrés. Qu’est-ce qui est si spécial à cet endroit?

Brad est l’un de mes meilleurs amis – il est comme mon grand frère. Nous avons immédiatement cliqué. Et c’est un producteur si talentueux. Il a une personnalité particulièrement parfaite pour ce travail, car il est vraiment bon pour se concentrer et se concentrer sur une personne et ce qu’elle essaie de dire. C’est un bon auditeur, ce qui, je pense, est vraiment important.

C’était quelqu’un à qui j’envoyais des choses depuis le début, et surtout quand nous sommes arrivés dans les six mois qui ont précédé l’enregistrement, nous parlions tout le temps et j’allais à Durham pour faire, comme – je suppose que je  » m en utilisant des citations aériennes ici – «pré-production» pour l’enregistrement. Mais c’était vraiment moi et Brad assis et écoutant des démos, puis écoutant SZA et Tierra Whack, et écoutant Lucinda, et écoutant Fiona Apple, et écoutant toute cette musique. Et je parle juste. Et parler de ce que nous aimons dans cette musique, juste faire connaissance et parler de ce que j’essaie de faire avec mon disque.

Et Brad avait essentiellement depuis le début dit que Sonic Ranch était l’endroit où nous devrions faire ce disque. Il y avait travaillé plusieurs fois, y avait fait le disque de Bon Iver et tout ça. J’ai toujours été énergiquement, ouais, c’est comme un disque au Texas, je l’ai écrit en quelque sorte entre le Sud profond et le Midwest, et le Texas est un peu ça, vous savez? C’est l’énergie du Texas. Donc je me disais: « C’est l’endroit parfait pour le faire » – et oui, c’est absolument incroyable. C’est comme mon endroit préféré où j’ai été. Le cadre de Sonic Ranch était si important, et le producteur de la maison est ce type Jerry Ordonez. Il est incroyable et son énergie était si importante pour faire le record.

L’album ressemble à une feuille de route, en ce sens qu’il y a cette constellation de lieux auxquels vous faites référence tout au long de la tracklist – mais les différents endroits se sentent tous liés à une sorte similaire d’espace psychologique. Quelle est la relation là-bas?

Le truc avec ce disque, c’est qu’il y a beaucoup de points clignotants, car le disque est vraiment enraciné dans ces deux grands thèmes, qui sont la dépendance et la codépendance. Et ces deux choses étaient des choses dans lesquelles j’allais vraiment creuser quand j’ai commencé à travailler sur l’album, et une grande partie de mon énergie était vraiment mise dans ma sobriété et s’améliorait.

Donc en faisant ça, beaucoup de moments vraiment sombres sur l’album, ce qui est beaucoup – je pense que le disque continue à être présenté comme cette grande chose positive, et je pense que c’est un message positif, mais je pense aussi il y a beaucoup d’obscurité – c’est juste ma réflexion sur beaucoup de souvenirs différents qui se sont produits dans beaucoup d’endroits différents.

La place a toujours été importante dans ma musique, mais j’y tenais vraiment, car c’est quelque chose [Lucinda Williams’] des chansons que j’aime tellement, qu’elle raconte une histoire et qu’elle vous met dans ces endroits. Et cela l’amène à cet autre levier. En nommant l’endroit et en apportant ces sortes de détails viscéraux spécifiques, j’ai l’impression que cela aide vraiment à raconter l’histoire. C’était vraiment dans ma tête.

C’est une sorte de feuille de route, mais c’est un peu une feuille de route psychotique qui saute beaucoup. Et c’est parce que ça a beaucoup sauté au cours des quinze dernières années de ma vie. Il y a des moments où je réfléchis à l’adolescence, il y a des moments où je réfléchis à la vie à New York quand j’étais au début de la vingtaine.

La vidéo de « Lilacs » correspond en quelque sorte à ce que vous avez dit – de toute évidence, elle danse en binôme avec la musique, ce qui lui apporte cette physicalité, mais je me sens aussi comme Hudson et Basilica, où elle a été tournée, juste immédiatement signifie quelque chose pour un certain sous-ensemble de New-Yorkais. C’est un signifiant visuel, du moins pour moi.

C’est super, j’espérais en quelque sorte. Nous n’avions aucune idée de l’endroit où nous allions faire cette vidéo. Je savais que je voulais Ashley [Connor] pour le filmer, et que je voulais Marlee [Grace] d’y danser, parce que Marlee, la danseuse de la vidéo, est ma meilleure amie, et elle est si importante pour beaucoup de mon état d’esprit sur l’album. C’est beaucoup de moi qui lui parle, beaucoup de moi qui lui fait des idées, et elle n’est qu’une énorme partie de mon système de soutien. Et puis j’ai pensé que la basilique serait si bonne pour ça.

Et je suis d’accord: j’étais comme, j’ai l’impression que les deux personnes verront [Basilica] et le reconnaître immédiatement, et cela évoquera quelque chose pour eux, car c’est un endroit significatif pour tant de gens. Ou ils ne l’auront jamais vu, et ils seront aussi captivés par lui que la première fois que j’y suis allé parce que c’est si beau, d’une manière si sombre. Et à partir du moment où Marlee et moi sommes arrivés à la basilique, la veille du tournage de la vidéo, avant tout le monde, nous avons mis la chanson et elle était juste en train de s’échauffer et de danser, et j’ai éclaté en sanglots. Je ne savais pas à quel point ça allait être émouvant de la voir danser sur cette chanson dans cette pièce. Je me suis simplement dit: « Mon Dieu, nous avons vraiment quelque chose de cool ici. »

On dirait que, plus que jamais, il y a une distribution particulière de personnages qui planent autour de cet album. Marlee n’est qu’une des personnes que vous criez sur «Witches». Mais je suis curieux de savoir comment ces personnages ont informé la forme de l’enregistrement.

Si nous zoomons sur les «sorcières», quelque chose qui a été si important pour moi au cours des six derniers mois à un an vient vraiment de s’appuyer sur mes amitiés qui sont réelles et significatives. Une grande partie de mon temps au cours de la dernière année a été consacrée à penser, qui sont mes vraies personnes? Quelles sont mes vraies amitiés? Où est-ce que je veux mettre mon énergie?

« Witches » est une chanson à ce sujet, qui est frustré par les éléments superficiels de la culture dans laquelle nous vivons, et qui crie juste mes amis qui sont là pour moi, qui sont mes vraies personnes. Et trois d’entre eux sont nommés dans la chanson – il y en a plus, mais – Lindsey est Lindsey Jordan de Snail Mail, qui est l’une de mes meilleures amies, et ma sœur Allison, Marlee, il y a beaucoup de gens dans ce mix.

Mon petit ami, Kevin Morby, a été très important pour moi de faire le disque. Il y a beaucoup de vraies chansons d’amour sur l’album, ce qui n’a pas toujours été mon fort, ou quelque chose que je me sentais très à l’aise de faire. La chanson « The Eye » est l’une de mes chansons préférées sur l’album, et cette chanson est vraiment influencée par « Tower of Song » de Leonard Cohen, où il s’agit en quelque sorte d’une méta, à propos d’être un auteur-compositeur. Et cette chanson que j’ai vraiment écrite pour Kevin. Il s’agit d’être un auteur-compositeur et d’être dans cette relation étroite et intime avec un autre auteur-compositeur, et comment nous parlons en quelque sorte la même langue à cause de cela, et avons beaucoup de mêmes difficultés – et avons donc cette compréhension vraiment intime de ce que le les autres passent par cette belle façon spéciale.

Quand vous parlez de Lindsey sur cette chanson, vous chantez qu’elle vous donne «foi» en l’avenir. Vous disiez que cet album était qualifié de quelque chose de frais, d’optimiste, mais c’est une tournure de mots tellement optimiste. Comment avez-vous accédé à cela, émotionnellement?

C’est peut-être, en creusant un peu plus profondément, tout ce que je veux vraiment dire de ne pas mal interpréter l’album comme quelque chose de facile, de venteux, de heureux, de positif, d’amour-propre, de soins personnels, bla bla bla. Parce que je pense que ce n’est pas exactement ce qui se passe. Et c’était en quelque sorte inévitable en termes de ce que j’ai fait, de ce que j’ai vécu.

De toute évidence, je suis devenu sobre, et généralement j’ai utilisé la musique comme véhicule pour la guérison, et donc quand je fais un album, comme Out In The Storm, je suis brut, et je suis émotif, et je suis en colère, et je mets ça dans la musique, et j’utilise la musique comme ce journal pour travailler en quelque sorte, d’une manière qui se transforme en chanson pop. Et je ne l’ai pas fait avec cet album. Cet album, je savais que je devais faire une pause, et je devais faire une pause sur ma musique et être un auteur-compositeur trop éloigné de mon identité. Je devais juste m’asseoir avec moi-même, en tant que personne imparfaite qui souffre, et travailler sur certaines de mes affaires avant de pouvoir me concentrer sur la refonte d’un album, et simplement me mettre dans la bonne mentalité.

Je suis un grand défenseur et un grand partisan de la thérapie, et j’ai fait beaucoup de cela. Et, sans anonymat, les trucs de 12 Steps ont été super super importants, et je pense que ça a été énorme sur cet album. Je pense qu’il y a beaucoup d’obscurité, et il doit y en avoir beaucoup parce que c’est ainsi que nous guérissons, et c’est ainsi que nous avançons, c’est en racontant nos histoires. Et donc c’est beaucoup de mes histoires. Mes histoires les plus sombres, vraiment, dans beaucoup de moments sur l’album. Mais c’est plein d’espoir, car c’est mon attitude en ce moment.

Est-il facile pour vous d’être sincère dans votre écriture?

C’est si je fais les choses que je dois faire pour arriver à cet endroit. J’ai dû travailler pour y retourner, sur celui-ci. Je ne sortirais jamais de musique qui ne serait pas sincère, je la détesterais trop et je le saurais immédiatement. Et la plupart du temps quand j’écris, quand je commence à me préparer à faire un album, c’est ce qui sort, c’est des choses qui ne sont pas sincères, que je lis comme pas tout à fait ça, de cette façon. Et cette musique ne voit jamais le jour.

Vous parliez un peu plus tôt de votre relation avec vos fans et sentiez leur réaction à la musique. Avec tous les autres changements dans votre vie au cours de la dernière année, comment cette relation particulière a-t-elle évolué?

Je pense que ça a beaucoup changé. Je ferai référence à cet article que j’ai lu, par Tavi Gevinson, pour The Cut, et il s’agit des médias sociaux, et comment, quand elle a commencé ses blogs et commencé à être une personne publique, elle était très fondée sur des principes, et juste conduite par l’art pour l’art et faire des choses parce qu’elle était une personne créative et énergique, et comment les médias sociaux ont vraiment changé tout cela, et comment ses motivations ont changé à cause des médias sociaux – et c’est pourquoi elle a choisi de quitter les médias sociaux.

Et j’avais une chose similaire où, quand j’ai commencé à écrire des chansons, j’avais tellement d’énergie créative, et j’étais tellement excité de faire des choses que j’aimais, et j’étais très respectueux des principes sur ce front. Au cours de ma croissance et de sa croissance, et de la croissance de ma base de fans avec moi, je me suis éloigné de cela. Non pas que je me penchais sur mon public, mais juste que je ne pouvais pas tout à fait accéder à ce même état d’esprit qui avait été si crucial au début.

L’une des choses que je voulais faire pendant cette période entre les albums, où j’ai vraiment pris beaucoup de temps libre avec la musique, alors que je devenais sobre, était vraiment de me remettre dans un état d’esprit qui me semblait, si je peux être vraiment concentré sur la musique, et faire quelque chose qui me fait vraiment du bien et qui me passionne, et me concentrer sur le rendre parfait, et affiner la vision – parfaite pour moi – alors les fans réagiront à cela. J’ai fait de la musique sans public pendant si longtemps, donc je me suis tourné vers un public intégré, et des gens qui vont juste entendre et réagir à l’album quoi qu’il arrive, c’est un ajustement.

Quelque part là-dedans, pendant ces quelques années, je m’étais perdu. Et, d’accord, ma consommation d’alcool et toutes ces choses avaient escaladé et jeté une ombre assez sombre sur toutes ces choses de toute façon. Et j’ai l’impression que cela a fonctionné pour moi. Et maintenant, j’ai une attitude plus positive… ou simplement une attitude plus détachée de la réaction des fans. J’adore tous mes fans – ce n’est pas comme si j’avais besoin qu’il y ait une barrière entre moi et eux, de toute façon. Mais j’ai l’impression que pour que je fasse ce que je fais de la manière la plus pure, dans sa forme la plus pure, je dois me détacher du fait que quiconque va jamais l’entendre, et je dois me concentrer uniquement sur ce que je pense il. Et quand j’ai pu le faire, ça ne m’a jamais fait de mal.