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Les 100 meilleures couvertures des Beatles

«Quiconque couvre une de mes chansons, j’adore», a fait remarquer Paul McCartney. C’est généreux. Il est intimidant d’imaginer combien de groupes de garage pour adolescents ont travaillé sur une version métal non écoutable de « Love Me Do », combien de rappeurs de Soundcloud de qualité inférieure ont freestylé sur le riff « Come Together ». Lorsque vous écrivez des chansons pour le plus grand groupe de l’histoire, vous inspirez votre juste part du mauvais au bon.

Il existe des centaines et des centaines de reprises des Beatles couvrant tous les genres imaginables: R&B, country, rock expérimental, post-punk, funk – vous l’appelez. Il était donc à la fois intimidant et éducatif de prendre cette plongée profonde, rassemblant les 100 meilleurs.

100. Todd Rundgren, « Strawberry Fields Forever » (1976)

Todd Rundgren a bâti une carrière en défiant les conventions de la pop, mais il ne fait pas beaucoup d’expériences avec le chef-d’œuvre de la psych-pop des Beatles. Les diapositives de guitare de séquence de rêve, les cuivres muets, les faux fondus et les percussions inversées – tout est là, avec quelques fuzz ajoutés et un galop de batterie plus lourd.

99. Lowell Fulson, « Pourquoi ne le faisons-nous pas sur la route? » (1969)

Sur cette coupe de l’album blanc, Paul McCartney s’exprime sur le caractère précieux des humains sur le sexe – une idée a germé en regardant deux singes faire l’amour dans les rues lors de la retraite des Beatles à Rishikesh, en Inde. Mais le bluesman Lowell Fulson a amené le concept dans un endroit plus charnel et moins philosophique: « Pourquoi ne le faisons-nous pas dans la voiture? » il chante sur un coup de langue graveleux. « Pourquoi ne le faisons-nous pas à la maison? »

98. Jack White, «Fils de Mère Nature» (2010)

Vous devez rendre hommage à Jack White pour avoir même essayé celui-ci: l’ancien White Stripe a couvert cet air folk des Beatles à la Maison Blanche, à quelques mètres des visages ruminants du président Obama et de l’auteur de la chanson, Paul McCartney (sur place pour recevoir Prix ​​Gershwin de la Bibliothèque du Congrès). Dans le clip, White adapte le doigté de McCartney dans une strass déchiquetée, ajoutant une angoisse de garage-rock à la mélodie « doo-doo-doo » du chanteur.

97. Saint-Vincent, « Dig a Pony » (2009)

Annie Clark est la seule artiste de notre liste à avoir dépoussiéré cette coupe profonde Let It Be. L’auteur-compositeur pop-art qui passe par Saint-Vincent a joué « Dig a Pony » lors de 21 spectacles, dont cette interprétation solo du festival All Points West 2009. Après une allumette aléatoire de « The Star Spangled Banner », elle se glisse dans le riff bluesy avec une distorsion agréablement méchante, jouant avec les pauses vocales et savourant chaque fleur de guitare à notes pliées.

96. Tori Amos, «She’s Leaving Home» (2011)

Il est difficile pour une personne de couvrir « She’s Leaving Home » – le Sgt. Le moment de signature de la ballade Lonely Hearts Club Band de Pepper est le motif vocal qui se chevauche et qui tire le cœur de McCartney et John Lennon sur le refrain. Mais Tori Amos a trouvé un moyen de contourner ce défi logistique, étendant la progression des accords dans sa prise de piano solo.

95. Ella Fitzgerald, « Savoy Truffle » (1969)

Ella Fitzgerald était une fan des Beatles: elle a couvert « Hey Jude » sur Sunshine of Your Love en 1969 et a suivi avec une paire d’hommages à Ella la même année. Cela vaut la peine d’être exploré, mais la chanteuse de jazz mérite un hommage particulier pour sa touche funky sur le groover de l’album blanc de George Harrison « Savoy Truffle ».

94. Ambrosia, « Magical Mystery Tour » (1976)

Ambrosia connaissait bien le prog et la pop, donc c’était un match parfait pour la piste de titre fantaisiste de Magical Mystery Tour. Leur version – qui offre un peu plus de grain dans les guitares, du funk dans la basse et du grésillement dans les cordes – apparaît dans le documentaire musical All This et World War II, qui associe les reprises des Beatles avec des images de guerre.

93. Chris Cornell, « Vous devez cacher votre amour » (2006)

Ce batteur folk Bob Dylan-esque est une reprise populaire des Beatles – probablement parce qu’il est construit sur une poignée d’accords de guitare faciles et une mélodie vocale simple. Le chanteur à la voix dorée de Soundgarden, Chris Cornell, n’avait pas besoin de garder les choses simples, compte tenu de sa gamme vocale de quatre octaves, mais il l’a fait avec pour sa session en direct sur la BBC. Pourtant, qui d’autre pourrait livrer ce haut « Hey! » avec un tel enthousiasme?

92. The Jimi Hendrix Experience, « Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band » (1967)

« Faites attention à vos oreilles », dit sagement Jimi Hendrix au public du Saville Theatre de Londres, quelques secondes avant de lancer la version guitare de l’expérience sur « Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band. » Le moment et le réglage sont cruciaux: la date était le 4 juin 1967, trois jours après la libération du Sgt. Pepper’s, et McCartney et Harrison étaient dans le public. « C’était comme le compliment ultime », a déclaré McCartney dans la biographie de 1997, Many Years From Now. « C’est encore évidemment un souvenir brillant pour moi parce que je l’admirais tellement de toute façon. »

91. Fiona Apple, « Across the Universe » (1998)

La dramatique de 1998 de Gary Ross, Pleasantville, suit une paire de frères et sœurs modernes pris au piège dans une sitcom des années 50. La version douce-amère de Fiona Apple sur « Across the Universe », issue de la bande originale du film, est redevable à la décennie suivante, drapant le croon mécontent du chanteur autour d’une rainure de tambour et de touches de style Mellotron.

90. The Pixies, « Wild Honey Pie » (1988)

Les cris vicieux de Black Francis dominent l’interprétation bruyante des Pixies de cet interlude folky de l’album blanc. La performance, enregistrée dans le cadre d’une session de la BBC en 1988, est apparue une décennie plus tard sur la compilation Pixies à la BBC.

89. Elbow, « Golden Slumbers » (2017)

La voix en plein essor de Guy Garvey porte le groupe de rock alternatif à travers la plus jolie ballade de McCartney. Elbow a enregistré la chanson en 2017 pour la publicité annuelle britannique de John Lewis, et l’histoire ludique et partiellement animée de Michel Gondry, « Moz the Monster », ne fait qu’intensifier le tiraillement des cordes cardiaques.

88. David Bowie, « Across the Universe » (1975)

David Bowie fait tout ce qu’il peut pour endurcir la ballade la plus aérienne de Lennon – et nos oreilles en paient le prix. Son «Across the Universe», des Young Americans de 1975, est une combustion lente de glapissements mélodramatiques et de déconstruction mélodique surmenée. C’est comme regarder Monet gribouiller sur un Manet. Malgré ses péchés vocaux, il y a un magnétisme brut dans la profanation de Bowie, et la section rythmique donne à la chanson une touche funky.

87. Melvins, « Je veux te tenir la main » (2018)

Melvins gifle une couche de boue saine sur un hit des Beatles propre et grinçant. Mais l’effet n’est pas du tout gimmicky – ils sonnent complètement à la maison dans ce décor énergique, étirant le riff post-« vous dire quelque chose » de Harrison en un vacarme métallique à mi-temps.

86. Ray Charles, « Hier » (1967)

Ray Charles a couvert « Hier » parmi un recueil de normes américaines sur Invites You to Listen de 1967, soulignant à quel point la ballade de McCartney avait été tissée dans le tissu culturel au cours des deux années qui ont suivi sa sortie. La voix de Charles se déchaîne sur des cordes en sourdine, passant d’un grognement bourru (qui rend le titre « Yesh-terday ») à un doux fausset.

85. Richie Havens, « Here Comes the Sun » (1971)

L’auteur-compositeur folk vénéré Richie Havens a marqué son plus grand succès en carrière avec « Here Comes the Sun », une interprétation live intensément grattée qui peut avoir cassé une corde de guitare ou deux.

84. Four Tops, « Le fou sur la colline » (1969)

Les harmonies dorées du groupe vocal apportent un coup de fouet Motown au conte McConney d’une âme solitaire. L’arrangement luxuriant au niveau des sons d’animaux – plein de ruptures funk et de cuivres empilés – évoque un monde de couleurs aveuglantes qui se cache juste à l’extérieur du regard du fou.

83. Ike & Tina Turner, « Get Back » (1970)

Ike et Tina Turner semblent plus à l’aise avec l’entraînement bluesy Let It Be que même les Beatles eux-mêmes. La râpe de Tina était destinée à enflammer la mélodie vocale de McCartney, et les guitares électriques trouvent des poches géniales dans le sillon de la locomotive.

82. Amy Winehouse, « All My Loving » (2004)

Il est risqué de falsifier une mélodie aussi précise et omniprésente, mais Amy Winehouse était connue pour ce genre de chutzpah. Le chanteur de soul-pop s’est attaqué à « All My Loving » pour le documentaire télévisé de 2004, Glastonbury Calling, en reprenant l’air d’une guitare acoustique jazzy au doigt et d’une voix mélancatique itinérante.

81. Grand-père, « Revolution » (2002)

L’approche sonore de Jason Lytle est si distinctive qu’elle déteint sur tout ce qui se trouve sur son orbite. Et la version de son groupe de « Revolution » – enregistrée pour le film de 2001 I Am Sam, mettant en évidence une bande originale complète des reprises des Beatles A-list – sonne plus comme un reste du LP de Grandaddy’s 2003, Sumday, que comme le White Album, avec Lytle démêlant la mélodie sur des guitares à sourdine palmée et des synthés vacillants.

80. McGee d’Umphrey, « Je te veux (elle est si lourde) » (2015)

Le sextuor Jammy prog-rock Umphrey’s McGee a enregistré leur version élastique de « I Want You » – comme le reste de leur LP 2015 The London Session – dans un espace sacré: le studio d’enregistrement des Beatles, Abbey Road. « Nous avons initialement mis en sac l’idée », a déclaré le chanteur-guitariste Brendan Bayliss à Rolling Stone. « Nous allons commencer une chanson des Beatles et les ingénieurs là-bas seront comme, » Vraiment, tu vas faire ça?  » [But] si on ne joue pas mal, ça écrase. Et nous l’avons cloué. « 

79. Peter Gabriel, « Strawberry Fields Forever » (1976)

C’est facilement la voix la plus bizarre du catalogue de Peter Gabriel, alternant des notes glorieusement râpeuses avec des trous discordants dans un croassement grenouille. L’arrangement voix et orchestre, présenté dans All This et World War II, semble avoir été bricolé à partir de différentes prises, avec Gabriel essayant de nouvelles formes à chaque fois. Mais ce n’est vraiment que le son de l’innovateur en art-rock, qui a quitté Genesis l’année précédente, se représentant.

78. Esther Phillips, « Et je l’aime » (1965)

La chanteuse de genre Esther Phillips inverse le genre lyrique avec sa version robuste de « And I Love Her », frémissant d’une voix tendre sur des orchestrations lisses.

77. Ambrose Slade, « Martha My Dear » (1969)

L’acte de hard-rock britannique (connu plus tard simplement sous le nom de Slade) ne joue pas trop avec l’ode rebondissante de McCartney à un chien de berger bien-aimé. Travaillant sans le bénéfice d’un orchestre complet, ils s’appuient principalement sur la guitare, la basse et un seul violon de balayage – plus d’un groupe de rock traditionnel prenant un joyau fleuri et rarement couvert.

76. Oasis, « À l’intérieur de toi sans toi » (2007)

Des vagues de distorsion et d’inondation de sitar à travers les fidèles du groupe Britpop interprètent « Within You Without You », enregistré pour marquer le 40e anniversaire du Sgt. Bande de Pepper’s Lonely Hearts Club. Dans une bizarrerie unique, Oasis emprunte le modèle de tambour tumbling à un autre classique des Beatles drone-y, « Tomorrow Never Knows », faisant de cette version un mélange subtil.

75. The B-52’s, « Paperback Writer » (2004)

Le riff principal jangly de « Paperback Writer » était parfaitement adapté à l’attaque surf-rock du B-52. Le groupe reste très proche de l’original, superposant leurs voix en un rayon d’harmonie rayonnant et même imitant les accents de tambourin et les effets vocaux de l’original.

74. Buddy Rich Big Band, « Norwegian Wood (Cet oiseau a volé) » (1967)

Le batteur de jazz Buddy Rich dirige son Big Band à travers une version instrumentale swingante de la mélodie psycho-folk de Lennon. Les cuivres se déchaînent, mais le groupe ne perd jamais le contrôle du thème principal, et Rich maintient le moteur en mouvement avec sa cymbale et ses roulettes de caisse claire toujours à la mode.

73. Sparks, « Je veux te tenir la main » (1975)

Une paire de boules excentriques pop-art ajoute une touche de soul symphonique à un rocker précoce simple, ralentissant le tempo et moussant l’arrangement avec des bouquets de cordes et de cuivres. Corny, mais convaincant.

72. PM Dawn, « Norwegian Wood » (1993)

PM Dawn a réinventé la chanson folk des Beatles au sitar dans un rêve de R&B venteux, magnifiant l’ambiance psychédélique de la chanson avec des harmonies vocales aérées, une guitare lead hurlante et un rythme hip-hop silencieux et crépitant.

71. Boris, « Walrus » (2007)

Le stoner / doom-metal japonais a fait équipe avec l’artiste du bruit Merzbow pour ce lavage pulvérisant de feedback et de fuzz, qui porte un lien plus fort avec la version de Spooky Tooth de 1970 (présentée ailleurs sur la liste).

70. Sweet, « Paperback Writer » (1972)

Sweet a enregistré « Paperback Writer » lors d’une session de la BBC en 1972 (incluse plus tard dans leur compilation de 2017 LP, The Sweet at the Beeb). Les harmonies ajoutent juste un soupçon de leur mise en scène glamour, et la piste de batterie hyperactive de Mick Tucker ancre la performance.

69. Tom Petty and the Heartbreakers, « I Need You » (2002)

Pour marquer l’anniversaire d’un an de la mort de Harrison, la veuve et le fils du regretté Beatle, Olivia et Dhani, ont organisé un concert bénéfice all-star mettant en vedette les nombreux collaborateurs et admirateurs du guitariste. Tom Petty, l’ancien compagnon de bande de Harrison dans Travelling Wilburys, a présenté une poignée de chansons pendant le Concert pour George, y compris une version simplifiée de « I Need You » de Help!, Avec des paroles d’amour rendues deux fois plus déchirantes dans ce contexte.

68. James Taylor, « In My Life » (2010)

Le segment « In Memoriam » des Oscars est presque toujours une expérience de visionnement maladroite: les visages des professionnels de la fin du cinéma défilent sur un écran massif, et le public simule des applaudissements mous pour la prise de clé dont ils n’ont jamais entendu parler ou déverse de manière disproportionnée acclamations tonitruantes des acteurs et réalisateurs les plus célèbres. Mais la voix bienveillante bienveillante de James Taylor a nivelé le terrain de jeu lors de la cérémonie de 2010, alors qu’il s’attaquait à l’une des chansons les plus poignantes des Beatles.

67. Aretha Franklin, « Eleanor Rigby » (1969)

Aretha Franklin sonne comme si elle couronnait « Eleanor Rigby » de mémoire, embellissant les mots, qu’elle change à la première personne, avec des courses puissantes qu’elle pourrait tirer d’elle pendant son sommeil. Ce n’est pas l’un de ses moments de capsule temporelle, mais bon, c’est toujours Aretha Franklin.

66. Deep Purple, « Help » (1968)

Deep Purple a des références Beatles, après avoir joué avec Harrison sur scène en 1984. Mais leur fameux moment Fab Four, une couverture spatiale de « Help !, » est arrivé 16 ans plus tôt sur leur premier LP, Shades of Deep Purple.

65. Diana Ross, « Come Together » (1970)

La voix immaculée et jolie de Diana Ross n’est pas un ajustement naturel en chantant les hochets de tête de Lennon au « cracker spinal » et au « foot jam ». Mais elle commande chaque seconde de cette pochette ultra funky, ancrée par une section rythmique fumante.

64. Crosby, Stills & Nash, « Blackbird » (1969)

« Une chanson de notre groupe préféré », a déclaré Graham Nash à propos de Crosby, la couverture merveilleuse de Stills & Nash, reflétée dans les notes de la doublure de leur coffret de 1991, CSN. « Nous restions sur Moscow Road à Londres en 1968, dans l’espoir de monter sur le label Apple. Les Beatles enregistraient l’album blanc, et quand nous avons entendu » Blackbird « de McCartney, nous avons tourné et appris tout de suite. C’était parfait pour notre harmonie en trois parties. « 

63. Bryan Ferry, « It’s Only Love » (1976)

Le croon glammy de Bryan Ferry est parfait pour cette aide chantée par Lennon! gratteur. Le chanteur de Roxy Music se penche sur l’arrangement, savourant chaque épanouissement mélodique dramatique et ajoutant une touche de funk sous forme de clavinet et de cornes.

62. Motley Crue, « Helter Skelter » (1983)

Motley Crue a mis le rocker le plus agressif des Beatles à l’épreuve, mettant à jour la manie de McCartney pour la génération glam-metal. C’est l’un de ces mariages parfaits de couverture et d’interprète: les solos de guitare grinçants de Mick Mars et les remplissages de batterie époustouflants de Tommy Lee ajoutent une puissance de feu à la coupe du White Album.

61. Jeff Beck, « Elle est une femme » (1975)

La version instrumentale reggae du virtuose de la guitare de « She’s a Woman » a été développée à partir d’une suggestion du claviériste Max Middleton. « [He] jouait dans un groupe pour Linda Lewis « , a déclaré Jeff Beck à Guitar World en 2009. » Elle était l’épouse de Jim Cregan, qui est le guitariste de Rod Stewart. Et elle a commencé à faire des vagues en jouant au club de jazz de Ronnie Scott. Et Max a dit: « Elle fait cette chanson, » She’s a Woman « et les gens deviennent fous. » Ils ont adoré sa version. Et je l’ai transformé en reggae, et cela semblait vraiment le faire décoller. « 

60. 10cc, « Paperback Writer » (1993)

Personne ne s’attendrait à ce que les art-rockers 10cc le jouent complètement directement avec « Paperback Writer », qu’ils ont présenté sur scène comme « un vieux favori ». Les harmonies vocales en cascade restent intactes, mais le groupe restructure les couplets en un groove funk-rock, tissant même dans une partie du riff « Day Tripper ».

59. Black Oak Arkansas, «Taxman» (1975)

Black Oak Arkansas présente sa version rock sudiste de l’angoisse financière, assombrissant et blues le riff et lançant quelques nouvelles paroles du point de vue de l’IRS (« Je suis désolé, chérie / j’ai besoin de ton argent »).

58. Damon et Naomi, « Pendant que ma guitare pleure doucement » (2005)

Damon Krukowski et Noami Yang, vétérans de l’acte slowcore Galaxie 500, abordent l’hymne de l’album blanc de Harrison avec un niveau de sensibilité rare, en utilisant des commentaires à peine présents, des trompettes en sourdine et des tambours brossés au lieu de solos de guitare bluesy.

57. Eurythmics, « Come Together » (1987)

Annie Lennox rassemble le maximum sur le rendu synthétiseur pop d’Eurythmics de « Come Together », ceinturant le charabia breveté de Lennon sur un bruit de basse laiteux et des reflets de guitare électrique occasionnels.

56. Zoot, « Eleanor Rigby » (1970)

Ce groupe australien obscur est surtout connu comme une note de bas de page historique, aidant à lancer la carrière de Rick Springfield et du guitariste de Little River Band, Beeb Birtles. Mais ils ont décroché un succès régional avec leur version lourde de la ballade la plus célèbre de Revolver, s’approchant même d’une intensité proto-métal avec leurs riffs couvants.

55. Helio Sequence, « Tomorrow Never Knows » (2000)

Le duo indie-rock de l’Oregon est passé aux barrières de leur premier LP, Com Plex, s’attaquant à l’un des airs psychédéliques les plus vénérés des Beatles. Dans la version live ci-dessous de 2008, Brandon Summers alterne entre des riffs propres et arpégés et des bourdonnements tandis que le batteur Benjamin Weikel frappe violemment son kit.

54. Jerry Garcia Band, « Dear Prudence » (1981)

Le leader de Grateful Dead, Jerry Garcia, a pour la première fois dépoussiéré ce joyau de Lennon rarement touché en 1981, menant son groupe solo à travers une confiture décousue avec toute la chaleur décontractée d’une promenade estivale dans le parc local.

53. Sean Lennon, « Julia » (2001)

Il est difficile de ne pas être ému à la vue de Sean Lennon, fils de John, rendant hommage à son défunt père en interprétant « Julia », une chanson écrite sur sa grand-mère (et sa mère – la traduction japonaise de « l’enfant de l’océan » est Yoko ). La performance a souligné le concert spécial de 2001 Come Together: A Night for John Lennon’s Words and Music.

52. Spooky Tooth, « Je suis le morse » (1970)

Le « Walrus » lent et meurtrier de Spooky Tooth a établi le modèle pour pratiquement toutes les autres versions de hard-rock. La voix de Mike Harrison amène la chanson dans un espace plus blues – découvrez le bourrage savoureux dans sa livraison de « drippin ‘de l’œil d’un chien mort ».

51. Cirque, « Norwegian Wood » (1969)

Le futur joueur de bois du roi King Crimson, Mel Collins, fait étalage de ses prouesses de saxophone à travers cette couverture obscure du groupe de jazz-rock Circus. C’est une pièce dynamique, qui passe d’une atmosphère paisible à une montée en puissance.

50. Regina Spektor, « Pendant que ma guitare pleure doucement » (2016)

Regina Spektor a enregistré sa version de « Gently Weeps » pour Kubo and the Strings, le film d’aventure en stop-motion de 2016 sur un jeune garçon qui exploite les pouvoirs magiques du shamisen, un instrument à cordes japonais. L’arrangement de bon goût de Dario Marianelli fait un clin d’œil à l’histoire, même en tissant dans un solo shamisen.

49. The Flaming Lips (avec Phantogram, Julianna Barwick et Spaceface), « She’s Leaving Home » (2014)

Les excentriques psych-rock de l’Oklahoma, les Flaming Lips, ont recruté leurs célèbres amis pour une réinterprétation piste par piste du Sgt. Pepper doublé avec un peu d’aide de mes amis. Parmi les faits saillants se trouve une version électro-pop de « She’s Leaving Home », pleine d’harmonies vocales et de tambours programmés crépitants.

48. The Beach Boys, « J’aurais dû mieux savoir » (1965)

Le 10e LP des Beach Boys a été construit comme une fausse fête, avec des amis qui superposent le bavardage et le bruit de fond sur les morceaux acoustiques épurés du groupe. C’est un concept stupide, mais cela ne diminue pas le plaisir de leurs couvertures des Beatles, y compris une version discrète de « I Should Have Known Better ».

47. Phil Collins, « Demain ne sait jamais » (1981)

Le premier album solo du chanteur de Genesis est bien plus étrange que les fans occasionnels ne s’en souviennent. Parmi les moments les plus expérimentaux de Phil Collins, il y avait sa version méticuleusement superposée de « Tomorrow Never Knows », pleine de tapotements de boîte à rythmes, de synthé bourdonnant et du violon vrombissant de L. Shankar.

46. ​​Roger Hodgson, « Across the Universe » (2010)

C’est la couverture définitive de « Across the Universe »: une paire de guitares acoustiques (une à six cordes, une à 12 cordes) et la voix inimitable du co-leader de Supertramp Roger Hodgson. La version incluse ci-dessous, tirée d’un spot radio de 2010, démontre sa sensibilité au matériau et ses touches subtilement personnalisées (vérifiez le scoop mélodique jusqu’à « Om »).

45. Joan Baez, « Eleanor Rigby » (1967)

La version de la légende populaire Joan Baez de « Eleanor Rigby » est un collage sonore, passant des lignes de harpe arpégées aux cuivres symphoniques au piano dramatique, avec son grand vibrato reposant confortablement au centre.

44. Sufjan Stevens, « What Goes On » (2005)

Le label Razor & Tie a marqué le 40e anniversaire de Rubber Soul avec This Bird Has Flown, un LP hommage mettant en vedette un artiste indépendant différent sur chaque piste. Sufjan Stevens prend un coup radical de la pop baroque à « What Goes On », réinventant la mélodie dans un arrangement de voix empilées, de banjo, de bois et de guitares cliquetantes.

43. Bobbie Gentry, « Le fou sur la colline » (1968)

La plupart des reprises de « Fool on the Hill » jouent la sentimentalité de base de la chanson avec des orchestrations savoureuses – et la chanteuse country-soul Bobbie Gentry a suivi la tendance. Mais sa version est la plus originale de cette liste, ajoutant une ambiance à la ferme avec un harmonica basse klaxonnant et des guitares acoustiques twangy.

42. Shirley Bassey, « Le fou sur la colline » (1970)

Shirley Bassey fait ressortir le noyau théâtral de « The Fool on the Hill », transformant la ballade McCartney en une pièce densément orchestrée remplie de cordes, de cors et d’une section rythmique jazzy. Il apaise toujours, mais maintenant il groove également.

41. Annie Lennox, « Le fou sur la colline » (2014)

Un autre point fort de la soirée Grammys ‘That That Changed America est une équipe entre les membres d’Eurythmics Annie Lennox et Dave Stewart. L’ensemble de la performance est composé de 11: les orchestrations dramatiques, la construction du piano solo au groupe complet et surtout la façon dont Lennox énonce «le monde tourne en rond».

40. Eddie Hazel, « Je te veux (elle est si lourde) » (1977)

Le guitariste de Funkadelic baigne ses six cordes dans des effets de phaser et de wah-wah sur sa version fiable et espacée, qui comprend une équipe de collaborateurs réguliers, y compris les chanteurs Brides of Brides of Funkenstein.

39. Adrian Belew, « À l’intérieur de toi sans toi » (2010)

L’ancien chanteur de King Crimson est prolifique avec les reprises des Beatles, ayant salué le groupe à plusieurs reprises sur scène et en studio. Mais la version instrumentale du guitariste de «Within You Without You» est la plus obsédante du groupe, pleine de lignes mélodiques retardées, d’une mise en scène tapée du doigt et d’effets texturaux qui sonnent comme des motos accélérées.

38. Jaco Pastorius, « Blackbird » (1981)

Le bassiste de jazz-fusion adapte la musique folk en une pièce instrumentale virtuose pleine de solos liquides et d’harmonica vaporeux. Il pourrait facilement passer pour une sortie de l’un des principaux albums de Weather Report.

37. Siouxsie and the Banshees, « Helter Skelter » (1978)

Des drones de basse sombre et des guitares barbelées inaugurent l’acte gothique post-punk Siouxie et le temps tendu des Banshees « Helter Skelter », qui clôt le premier côté de leur premier album, The Scream.

36. Sonic Youth, « Inside You Without You » (1988)

Sonic Youth a trouvé le véhicule parfait pour leurs drones noise-rock dans « Without You Without You ». Ils lissent la signature temporelle délicate, remplaçant les sitars et le tabla par des guitares grondantes et des tambours martelants.

35. Journey, « Tout est trop » (1976)

Journey était toujours en mode prog / fusion en 1976, et ils ont ajouté une touche virtuose au doux chant sous-marin jaune de Harrison. Mais comme la plupart des premiers travaux du groupe, « It’s All Too Much » est amusant, jamais indulgent – il suffit de regarder le travail de charleston groovy d’Aynsley Dunbar.

34. Rockwell, « Taxman » (1984)

Tout le monde connaît le chanteur de Motown Rockwell – d’accord, peut-être pas par son nom – pour son tube paranoïaque de synthé pop « Somebody’s Watching Me ». Mais son interprétation géniale de « Taxman » est tout aussi digne de la radio FM, enveloppant des touches fantomatiques et des voix d’accompagnement effrayantes autour du crochet Harrison.

33. Electric Light Orchestra, « Day Tripper » (1974)

Electric Light Orchestra a donné à « Day Tripper » le traitement symphonique complet pour leur premier LP live, décorant le rocker avec des interludes de piano classique, des avalanches de caisse claire, des synthés étoilés et leurs cordes nécessaires.

32. Otis Redding, « Day Tripper » (1966)

« Tease me un peu », ceintures Otis Redding sur cette prise live étouffante, qui se situe quelque part entre une couverture et un exorcisme. Le géant de l’âme ceinture des demi-phrases et des phrases tronquées, apparemment inconscient des paroles complètes. Mais qui s’en soucie? Ce groove! Cette râpe!

31. Junior Parker, « Taxman » (1970)

Le chanteur de blues Junior Parker démantèle complètement « Taxman », récupérant quelques pièces de rechange et transformant la chanson en un étrange entraînement soul-funk. Il alterne la parole et le croon, ancré par un groove à la fois décontracté et trompeusement maniaque.

30. Harry Nilsson, « Vous ne pouvez pas faire ça » (1967)

Harry Nilsson avait des références: certains de ses plus grands succès étaient des reprises (« Everybody’s Talkin ‘ »), et il a fait de nombreux fans de Lennon et McCartney. Sa version de « You Can’t Do That », trouvée sur le Pandemonium Shadow Show de 1967, est en fait un mélange oscillant de nombreux airs des Beatles, tissant en clin d’œil à « Day Tripper », « Good Day Sunshine », « A Hard Day’s Night « et bien d’autres.

29. Rubblebucket, « Michelle » (2010)

L’art pop-art de Brooklyn Rubblebucket amène la ballade d’amour remplie de français de McCartney sur la piste de danse, ajoutant des piles de percussions, des effets vocaux en écho et des tas de cornes.

28. The Breeders, « Le bonheur est une arme chaude » (1990)

The Breeders a abordé ce morceau de White Album dément avec un équilibre magistral de lumière et d’obscurité, de tension et de relâchement. Léchage de guitare chromatique, basse bourdonnante, batterie sèche, éclats frénétiques de cymbale ride – tous capturés avec l’ingénierie simple et en direct de Steve Albini.

27. Gryphon, « Fils de Mère Nature » (1975)

Cet acte prog-folk malheureusement obscur ajoute une atmosphère médiévale à la ballade acoustique triée sur le volet de McCartney, remplissant les espaces plus calmes de fioritures colorées de crumhorn et de flûte à bec. Sur le papier, cela ressemble à une réinvention radicale, mais la prise de bon goût de Gryphon ne s’éloigne jamais du thème principal.

26. 801, « Tomorrow Never Knows » (1976)

Brian Eno s’est lié avec son ancien camarade de groupe Roxy Music Phil Manzanera pour 801, un projet de courte durée mettant en vedette une équipe de joueurs de prog / fusion. Leur premier album live comprend, parmi leurs originaux, un spin art-funk sur « Tomorrow Never Knows », mis en évidence par une performance de basse bonkers de Bill MacCormick et les touches en spirale d’Eno et Francis Monkman.

25. Joe Cocker, « Elle est entrée par la fenêtre de la salle de bain » (1969)

« With a Little Help From My Friends » est devenu la couverture emblématique des Beatles de Joe Cocker (voir ci-dessous), en partie grâce à son placement dans The Wonder Years. Mais avec ses changements d’accords de choeurs vocaux et sombres plus contrôlés, sa version de « She Came In Through the Bathroom Window » est dans le même stade de qualité.

24. Al Green, « Je veux te tenir la main » (1969)

C’est un tour de montagnes russes qui donne l’impression de pouvoir dérailler à tout moment – mais de la manière la plus excitante possible. Al Green semble n’avoir qu’une faible impression des paroles, mais ses vocalisations funky font une impression plus forte que ne le ferait une livraison directe de toute façon.

23. Marvin Gaye, « Hier » (1970)

Marvin Gaye a offert une ballade faite à mort le traitement complet de Motown, et soudain, il s’est senti à nouveau nouveau. Si les guitares twangy et le vibraphone cinématographique ne vous obtiennent pas, le falsetto est sûr de sceller l’affaire.

22. Lone Star, « Elle a dit, elle a dit » (1976)

Lone Star – le groupe de hard-prog gallois, pas le groupe country Lonestar – a étendu la mélodie psychédélique du Revolver en un voyage kaléidoscopique de huit minutes de wah-wah, de ceintures venteuses et de synthé cosmique.

21. Ghost, « Here Comes the Sun » (2010)

Le retour du soleil n’est pas si jovial dans la version délicieusement macabre de Ghost, qui apparaît comme un morceau bonus sur leur premier LP, l’Opus Eponymous de 2010. Les hard rockers suédois jouent ce changement mineur, thématique et sonore, avec le chanteur Tobias Forge faisant signe d’un ton apaisant mais sombre.

20. Elton John, « Lucy dans le ciel avec des diamants » (1975)

Lennon lui-même a ajouté de la guitare reggae à la couverture glamour d’Elton John de « Lucy in the Sky With Diamonds », apparaissant au générique sous le pseudonyme de « Dr. Winston O’Boogie ». Mais le single en tête du classement est plus qu’une note de bas de page des Beatles – le rendu de la taille d’un stade de John a une ambiance qui lui est propre.

19. Joe Cocker, « Avec un peu d’aide de mes amis » (1969)

Comme deuxième piste du Sgt. Le Lonely Hearts Club Band de Pepper, ce chant Ringo Starr-chanté fonctionnait comme une salutation joviale et à faible enjeu dans le monde de rêve psychopopique des Beatles. Mais le belter soul-rock Joe Cocker a transformé la bizarrerie en quelque chose de plus profond et de plus poignant – il chante cette demande d’amitié comme si sa vie dépend de la réciprocité.

18. Smokey Robinson & the Miracles, « And I Love Her » (1970)

La mélodie semble destinée à ce type de traitement de chanteur d’âme à gros budget et les Miracles livrent la marchandise. Les harmonies florissantes du groupe suffisent pour gagner leur place sur la liste, mais la caresse d’une voix de Smokey Robinson le place sur un autre plan de beauté.

17. The Feelies, « Tout le monde a quelque chose à cacher sauf moi et mon singe » (1980)

L’un des rockers les plus gonzo de Lennon obtient un lifting post-punk. Les Feelies accélèrent le tempo, redressent la nervosité et la couche de la double guitare dans des percussions cliquetantes bonus au milieu des riffs frénétiques et des voix aboyées.

16. Bill Withers, « Que ce soit » (1971)

Bill Withers fait ressortir le pur évangile de la ballade onirique de McCartney, chantant une voix parfaitement fluide et lisse tandis que Booker T. Jones dépose un orgue Hammond ondulant.

15. Nina Simone, « Here Comes the Sun » (1971)

Nina Simone a également saupoudré de magie sur « Revolution », mais son interprétation langoureuse de « Here Comes the Sun » est de niveau supérieur. L’ambiance est jazzy, atmosphérique et légèrement mélancolique, avec sa voix tremblant au sommet d’une courtepointe de clavecin, cordes, harpe et tambours brossés. Dans l’original de Harrison, le soleil était un symbole d’optimisme cyclique; dans la version de Simone, ces rayons font signe un peu plus loin dans le ciel, scrutant les nuages.

14. Yellow Magic Orchestra, « Day Tripper » (1979)

Le trio électronique japonais Yellow Magic Orchestra a réinventé les riffs de « Day Tripper » avec des gribouillis de synthés analogiques et des tambours programmés. Cette esthétique robotique a insufflé une nouvelle vie à un aliment de base.

13. Dave Grohl / Jeff Lynne, « Hey Bulldog » (2014)

Deux générations de fans de la rock star des Beatles, Dave Grohl des Foo Fighters et Jeff Lynne, le cerveau d’ELO, se sont associés pour harmoniser cet hymne sous-marin jaune sous-estimé lors du salut du Grammy Night 2014. (Peter Frampton et Steve Lukather de Toto ont complété l’armée de la guitare sonore au sein du groupe house de la soirée.)

12. Steve Hillage, « It’s All Too Much » (1976)

The former Gong guitarist may have recorded the definitive version of « It’s All Too Much, » beefing up the LSD-inspired Yellow Submarine ditty into the psychedelic journey it could have originally been.

11. Paul McCartney/Eric Clapton, « While My Guitar Gently Weeps » (2002)

The closest possible thing to a Beatles reunion occurred toward the end of Concert for George, with Eric Clapton — who played the studio guitar solo on « While My Guitar Gently Weeps » — recruiting McCartney and Starr (along with Beatles contributor Billy Preston, Jeff Lynne, Dhani Harrison and a stage full of other musicians) for the White Album track.

10. Yes, « Every Little Thing » (1969)

« We just went and put on a show, [doing] songs we really liked, » Yes singer Jon Anderson recalled to Maximum Ink in 2015, detailing the band’s early prog-rock energy that informed their self-titled 1968 debut. « We did Jimmy Webb songs from the Fifth Dimension album; we did a Beatles song, ‘Every Little Thing,’ but we jazzed it up and did it more like a driving force song. »

9. Esperanto, « Eleanor Rigby » (1975)

Belgo-English prog act Esperanto could have easily tossed out the lyrics and made this one an original — its surging violins, wailing guitars and shifting time signatures have little to do with the Revolver cut. But what imagination! If only the record-purchasing public had paid attention.

8. Booker T. & the M.G.’s, « Medley: ‘Sun King,’ ‘Mean Mr. Mustard,’ ‘Polythene Pam,’ ‘She Came In Through the Bathroom Window,’ ‘I Want You (She’s So Heavy)' » (1970)

Stax Records’ resident groove crew was so riveted by Abbey Road, they decided to cover almost the entire thing — only six months after the album’s initial release. The result was McLemore Avenue, which offered the LP a Southern soul face-lift through a series of revamped medleys and instrumental workouts. Booker T.’s organ brings some gospel flair to « Mean Mr. Mustard, » and Steve Cropper’s bent-note crunch on « I Want You » is downright nasty.

7. Tom Petty/Jeff Lynne/Steve Winwood/Prince, « While My Guitar Gently Weeps » (2004)

Prince tended to take center stage for any collaborative performance, even if he wasn’t physically center stage. For the bulk of this all-star « Gently Weeps, » honoring Harrison at his 2004 Rock Hall induction, the Purple One spends the majority of the song off-camera, strumming alongside Jeff Lynne, Tom Petty, Dhani Harrison and Steve Winwood (on organ). Then comes the 3:28 mark: Prince annihilates a solo full of orgasmic squeals and furious noise, culminating with the most iconic guitar toss in rock history. (As seen in the clip, the instrument doesn’t appear to descend after he launches it into the heavens — spawning a legend of its own.)

6. The Brothers Johnson, « Come Together » (1976)

The song was just waiting to be funkified, and the Brothers Johnson took up the mantle on their debut LP, Look Out for #1. The duo’s « Come Together » replaces Ringo Starr’s tumbling drum fill with a strutting backbeat, adding some extra fire to the swampy main riff.

5. Bobby McFerrin, « Blackbird » (1984)

On his streak of landmark LPs and concerts in the early ’80s, Bobby McFerrin redefined the boundaries of one human voice — and the meaning of « solo artist. » This version of « Blackbird » is a perfect introduction to his virtuosic technique: an unaccompanied a cappella performance blending low bass notes with high falsettos, augmented with finger snaps, whistles, scatting and bird sound effects — and achieved only through dizzying breath control.

4. Anoushka Shankar/Jeff Lynne, « The Inner Light » (2002)

A testament to Harrison’s profound love of Indian music, The Concert for George opens with a mini-set led by sitar player Anoushka Shankar, daughter of Ravi and half-sister of Norah Jones. Shankar teams with Jeff Lynne and Dhani Harrison for a spellbinding version of « The Inner Light, » originally issued in 1968 as the « Lady Madonna » B-side.

3. Earth, Wind & Fire, « Got to Get You Into My Life » (1978)

The 1978 Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band film was a colossal disaster, staining the resumés of its high-profile cast. The soundtrack was another story: Earth, Wind & Fire breathed new life into Revolver’s grooviest track with complex horn flourishes and velvety vocals.

2. Wilson Pickett (with Duane Allman), « Hey Jude » (1969)

Wilson Pickett’s gravelly belting and full-on screaming brings tension and urgency to the relatively smooth « Hey Jude, » and his backing band – including the famed Muscle Shoals Rhythm Section and Allman Brothers guitarist Duane Allman — elevate the performance to an all-time classic.

1. Stevie Wonder, « We Can Work It Out » (1970)

You can’t improve upon perfection, but who better than Stevie Wonder to attempt the impossible? He approaches « We Can Work It Out » with an equal ratio of reverence and rejuvenation — adding some new details (a harmonica solo), subtracting others (the original’s mid-chorus 3/4 shift) and belting an elastic R&B vocal that radiates pure joy.

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