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The Boys in the Band Review: Le drame Netflix est richement joué

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L’ensemble de la distribution et du réalisateur de la reprise de Broadway, lauréate d’un Tony en 2018, Mort Crowleyde Les garçons du groupe revenez pour cette adaptation cinématographique Netflix 2020, et vous pouvez le sentir. Il y a une confiance tranquille, un mode de travail à la fois verrouillé et libre d’être libre, une compréhension imposante des aspects les plus elliptiques et les plus compliqués du matériau dans chaque image du film. Le public est attiré, ayant besoin de savoir ce qui se passe ensuite, ayant besoin de réfléchir et de repenser à chaque instant. Joe MantelloSon travail est richement captivant, accessible mais imprévisible, et probablement l’un des meilleurs films originaux de Netflix à ce jour.

Michael (Jim Parsons) organise une fête d’anniversaire pour un ami, Harold (Zachary Quinto, faisant tout à fait l’entrée). De nombreux invités assisteront au petit appartement de Michael à New York, une équipe hétéroclite d’hommes avec diverses névroses jouées par Matt Bomer, Andrew Rannells, Charlie Carver, Robin de Jésus, Michael Benjamin Washington, et Tuc Watkins. Tous les hommes présents à cette soirée sont ouvertement homosexuels. Tous sauf un. Alan (Brian Hutchison), Le colocataire hétéro de Michael, bloque la fête après avoir passé un appel téléphonique curieusement émouvant à Michael. Et son arrivée déclenche une série de révélations, d’admissions et d’examens émotionnels profonds.

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Image via Netflix

Ce genre de mode de narration «salle verrouillée, temps réel, juste des personnages qui parlent» est parfait pour le théâtre, mais peut parfois donner des résultats cinématographiques rigides; les craquements et les gémissements non naturels ajoutés dans la traduction. Aucun faux pas ne se produit dans ce film, avec Mantello et co-scénariste Ned Martel (American Horror Story) de manière satisfaisante, en comblant subtilement les lacunes pour les contextes de ces personnages, et l’éditeur Adriaan van Zyl (Pose) savoir exactement quand et comment couper des flashbacks à lentilles impressionnistes pour percer ce que nos personnages disent. L’homme qui regarde tout cela est Bill Pope, un directeur de la photographie que j’ai déjà loué sur ce site, et il se tourne à nouveau vers un travail remarquable. En écrasant ses personnages dans un cadre 2,4: 1 large mais compressé, le travail de Pope donne au texte exactement ce dont il a besoin, nous orientant avec des mouvements de caméra fluides, nous surprenant avec son blocage d’ensemble vif et intelligent, se verrouillant sur des gros plans durs pendant éviscérer des monologues, et même fournir une blague visuelle ici et là (un plan trouve Harold sur le point de prendre un téléphone… avant qu’une mise au point de rack ne révèle qu’il attrape plus d’alcool à la place). Mantello n’a rien perdu de son groove de réalisateur dans cette adaptation; gagne seulement ici.

En fait, la capacité de la forme cinématographique à se resserrer sur une focalisation singulière met en évidence, visuellement, une exploration proéminente dans le texte: le vrai soi contre son image projetée, en particulier et explicitement en ce qui concerne le fait d’être gay dans les années 1970. De nombreuses révélations majeures, en particulier liées à Michael, reposent sur la révélation intérieure que l’image projetée se fissure, se bat avec son vrai soi. Pour illustrer cela, des miroirs dans des cadres dans le cadre cinématographique plus grand sont souvent utilisés. Tant de personnages se vérifient constamment dans leur miroir, ajustent leur visage, leurs cheveux, s’assurent que rien ne trahit leur conflit intérieur, leur douleur. Pope et Mantello tirent ces moments de miroir de manière intelligente et irrégulière, plaçant des surfaces réfléchissantes dans des espaces intrusifs, qu’ils soient à l’avant et au centre, cachés dans la marge ou intrinsèquement écrasés par leurs propres limites. C’est un dispositif visuel sans cesse efficace, amplifié seulement par le fait que nous vivons tout cela à travers le cadre (et, à bien des égards, le miroir) du cinéma.

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Image via Netflix

Quant au sujet principal de ce qu’il y a dans ce cadre: les acteurs. Ma grâce, ces acteurs se transforment en un travail remarquable. Vous pouvez ressentir l’expérience de travail en tant qu’ensemble sur scène, le confort de rester activement engagé en tant qu’auditeur en arrière-plan pendant qu’un autre joueur obtient son solo, l’empathie brillante rayonnant à travers ses yeux. Tout le monde a l’occasion de briller, mais je suis particulièrement frappé par de Jésus dans le rôle d’Emory, notre personnage le plus performant et campy dont le cœur bat profondément; Washington en tant que Bernard, dont la transition de «Je m’amuse à la fête» à «Cette fête me ruinera» est puissamment racontable; et Watkins dans le rôle de Hank, le plus récemment sorti, en ligne droite et déchiré entre toutes sortes de côtés. Ces personnages s’aiment (enfin, peut-être pas notre pauvre Cowboy, joué par Carver comme un mannequin attachant) même s’ils se mettent volontairement sous la peau l’un de l’autre; se mettre sous la peau l’un de l’autre est la façon dont vous atteignez le cœur, comment vous vous aimez le plus brutalement.

Parsons, notre chef de file, est invité à creuser le plus brutalement, à communiquer un arc extrêmement varié, à risquer de perdre notre sympathie à cause de sa descente implacable vers «la vérité», peu importe qui est blessé en cours de route, quelle que soit l’insensibilité qu’il encadre. comme « un jeu ». Je n’ai jamais vu Parsons travailler comme ça auparavant; il arme ses névroses au-delà du point de la comédie relatable dans une forme sauvage et non attachée de haine dans toutes les directions. C’est une performance fascinante, même si à la première montre, elle manque parfois le point de connexion naturel que je voudrais du scénario, se sentant à la place abrupte, irrégulière et démotivée. Je soupçonne que c’est une fonctionnalité, pas un bug, de la lecture de Parsons et Mantello sur le personnage, et les derniers moments du film, surtout en ce qui concerne les auto-conclusions de Michael et Alan (ou son absence), semblent solidifier cette intention. .

L’incident incitant ne se concentre pas autour de qui vous pourriez penser qu’il le fait, et sa résolution n’affecte pas qui vous pourriez penser qu’il le fait, et chaque membre de la distribution et de l’équipe est prêt à communiquer ce point avec une efficacité subtile, une beauté dans l’artisanat. et une empathie sans entrave. Au moment où The Boys in the Band était terminé, j’avais l’impression que j’avais besoin de le revoir, maintenant que je comprenais plus clairement le chemin qu’il me conduisait. C’est beau quand un film peut être aussi riche et robuste, aussi épanouissant et nutritif, compliqué et émouvant. Il apporte un théâtre brillant aux masses, oui, mais le fait avec une compréhension brillante de la forme cinématographique. C’est un travail totalement humain, une célébration de notre corps, de notre âme et de notre cœur, un rappel des pouvoirs de connexion et d’amour sous toutes ses formes effilochées.

Classe: UNE-

The Boys in the Band est diffusé sur Netflix le 30 septembre.

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Image via Netflix

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Image via Netflix

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